Nunca había visto la Top Gun original. Llevo años queriendo verla, pero “verla bien” para mí quiere decir en una buena pantalla; casi parece que estuviera esperando el aniversario. En el cine, las dos películas solo estarán hasta el 19 de mayo en Itaroa. Este es un año estelar para Cruise porque vuelve con Digger, del director de El Renacido. El tipo de cine que Cruise hacía en los 90 antes de ser una estrella de acción en el siglo XXI.

A pesar de no haber visto la original de 1986, en 2022 fui al cine dos veces a ver la secuela, Top Gun: Maverick. Una de las mejores experiencias en un cine que he tenido. Qué espectáculo ver el duelo final entre F18 en el aire. La realización de las escenas aéreas es verdad que está a años luz de la original.

Sinopsis: La Marina ha creado una escuela de élite para pilotos con el fin de sacar una promoción de expertos en técnicas de combate. En la academia, conocida como Top Gun, llega el joven Maverick, famoso por su temeraria, aunque brillante, forma de pilotar.

Top Gun es de esas películas que, aunque no hayas visto, conoces. Tiene eco en la cultura popular: camisetas, pósters, referencias en series y películas (Cómo conocí a vuestra madre, Los Simpson)... No solo representa los 80, sino también el salto cuántico de Cruise a la fama.

Hasta entonces había tenido éxito en Risky Business, pero esto le puso en otro nivel. Viendo Top Gun por primera vez, hay tantos momentos que luego se han copiado, la melodía de Take My Breath Away —ganó un Oscar—...

La película de Tony Scott —hermano de Ridley Scott— se mantiene bastante bien. Las escenas aéreas, por lo general, siguen resultando increíbles. Pese a ser algo torpes, las tomas desde el aire permanecen vigentes porque se rodaron sin efectos especiales: los aviones son reales.

Todo en ella es explícito y exagerado, pero por algún motivo funciona. Eso creo que es lo mágico del film: Cruise y, especialmente, Val Kilmer consiguen recitar una serie de diálogos y comportarse de una forma que no puede ser más exagerada y, sin embargo, encajan con ese mundo de cielos anaranjados que nos presenta el filme.

Curiosamente, supone también un punto de inflexión en cuanto a la perspectiva de la industria militar. Tras unos 60 y 70 frustrados con la guerra de Vietnam, las mentiras y las muertes de jóvenes norteamericanos, Top Gun le dio la vuelta como un lugar de excelencia, camaradería, propósito y cool al que pertenecer.

Top Gun también presenta la capacidad que puede tener el cine para influir en las decisiones de las personas, al menos en el siglo pasado. Si Todos los hombres del presidente llenó las facultades de Periodismo, la película de Tom Cruise consiguió que aumentaran más de un 10% los ingresos en el Ejército en 1986.

El film, con apariciones estelares de futuras estrellas como Tim Robbins, Val Kilmer o Meg Ryan, tiene ese elemento azucarado y norteamericano de querer ser mejor. De querer apretar el puño, moverse del sofá y activarse. Tiene un aspecto motivacional absoluto.

La cinta del 86 recaudó 357 M; ajustado a 2026 serían más de 900 millones. La secuela “les salvó el culo a los cines”, como le dijo Spielberg a Tom Cruise, con 1.500 millones.

Cruise pasó a convertirse en una de las estrellas del momento y a mantener su estrellato hasta el día de hoy. Década tras década ha entregado obras trascendentales en lo cinematográfico o en lo popular: El color del dinero, Rain Man, Algunos hombres buenos, Jerry Maguire, Misión imposible, Eyes Wide Shut, Magnolia, Minority Report, El último samurái, Collateral, Tropic Thunder, Al filo del mañana y, muy pronto, Digger.

Las próximas semanas se convirtió en la película que había visto hasta el que menos cine ve. Me avergüenza decir que esto nubló un poco mi pasión por el film de ese embajador que tanto gusta en Hollywood (Los anillos de poder, Jurassic World), J.A. Bayona.

La película consigue tantas cosas bien que parecen obvias, pero en retrospectiva son muy difíciles. Primero consigue evitar lo más común en pelis de este tipo: cómo no ser monótono. Lo consigue dándoles a los personajes victorias y derrotas continuamente: avalancha, encontramos una radio, no sirve, vamos a subir la colina…

Bayona no chapotea en la miseria ni en el sensacionalismo. Incluso hay momentos de humor, humor que por supuesto precede al desastre. Evita la dramatización barata, no hay peleas por cosas pequeñas, las dos mujeres no son violentadas, el aspecto de comer parte de los cadáveres siempre está hecho con respeto y es secundario en esta historia.

La dignificación de los supervivientes es una prioridad absoluta para Bayona. Por eso, cuando tiene lugar todo lo relacionado con los cadáveres, usa lentes con poca distancia focal —poca imagen en foco— y mueve la cámara antes de que podamos ver algo.

Bayona se sirve de un truco de edición sencillo, pero muy efectivo: nos muestra algo muy intenso, corta la imagen de forma que ha pasado mucho tiempo, pero la cámara no se ha movido. Lo usa 4 o 5 veces: alguien está gritando de dolor tras el accidente, corta y seguimos con esa persona, pero lleva horas fallecida. En una de las exploraciones de la montaña, se les hace de noche. Hay una gran ventisca, ruido, viento, gritos, oscuridad. Corta. Está amaneciendo, están dormidos y con una capa de nieve encima.

La música es interesante porque, por un lado, es muy buena, hecha por alguien muy solicitado en Hollywood, Michael Giacchino (The Batman). Curiosamente, tiene experiencia poniendo música a desastres aéreos. Compuso la música del fenómeno televisivo Perdidos. De hecho, usa algunas melodías parecidas, la música dinamiza la película constantemente.

Hay tantos aspectos de esta historia real que la hacen fascinante, desde aspectos morales, espirituales, biológicos… Me impresiona el personaje de Nando, que diariamente sale del fuselaje a cargar peso y moverse para entrenar. Y que, tras enterrar a su hermana, dice: “Yo no voy a morir acá”.

Está muy bien dirigida, pero ¿por qué? Porque Bayona aprovecha las herramientas esencialmente cinematográficas para narrar. Además del ejemplo del corte, cuando están a punto de estrellarse, Bayona decide dedicar un momento a Numa siendo cegado por el sol. O por cómo yuxtapone el miedo y el pánico de los supervivientes en las primeras horas con la noche estrellada, extraordinariamente bonita, de los Andes.

Por último, está bien dirigida por rodar ese final victorioso y quitarle los fuegos artificiales. Al tratarse de un desastre y un milagro al mismo tiempo.

Que pase un tiempo y, si se sigue hablando de ella, le daré una oportunidad. Lo hice con Andor o con la primera de Bronca (Beef, en inglés). Prefiero ver una película a sentirme como un caballo al que le ponen la zanahoria delante y se pega años con una serie estirada de más.

He escuchado que hay una serie nueva de Juego de Tronos, El caballero de los siete reinos, que es genial. La vería de no ser porque ya parece que van a hacer múltiples temporadas.

Como han coincidido el estreno de la tercera temporada de Euphoria y la segunda de Bronca, aprovecho para recomendaros las dos. Aunque Bronca es mucho más accesible que esa joya de la corona de HBO que es Euphoria.

Ambas son buenas en apuntar a personajes fallidos, siempre de forma sutil, en los que podemos reflejarnos. Estas dos series llevan años impresionando al público y, para las dos, esta podría ser su última emisión.

Bronca (Netflix, dos temporadas)

Sinopsis: Una joven pareja es testigo de una pelea entre su jefe y su mujer, lo que desencadena jugadas de ajedrez de favores y coacciones en el elitista mundo de un club de campo y su multimillonario propietario coreano. Cada temporada son personajes e historias distintas.

Aquí tenemos una serie que creo que es accesible a todo el mundo, a diferencia de la cruda Euphoria. Sin embargo, no por eso le falta garra. Ambas temporadas me recuerdan a Los domingos por cómo muestra que somos nosotros nuestros mayores enemigos. Nuestra incapacidad de reconocer la realidad nos va atando y, de repente, no podemos movernos.

La segunda temporada, a pesar de las críticas, me parece incluso más adictiva que la primera. Su playlist de canciones pop es genial y cierra cada episodio con un clímax total. Su creador, Lee Sung, es muy hábil en mostrar cómo personas que sufren con un móvil en sus manos son un motor narrativo inmediato. Ahí, estos personajes vuelcan su impulsividad y egoísmo; es un generador de drama increíble. Ilustra cómo nuestro mundo virtual habla mejor de nosotros que muchas otras facetas.

Euphoria (HBO, tres temporadas)

Sinopsis: Rue (Zendaya) es una joven de 17 años que vuelve de rehabilitación sin intención de mantenerse sobria. En una fiesta antes del comienzo del curso conoce a Jules (Hunter Schafer), una chica recién llegada a la ciudad...

Euphoria es una de las series más icónicas de los últimos 10 años por varias razones. Es la responsable de nutrir a Hollywood de una remesa entera de estrellas (Zendaya, Jacob Elordi, Sydney Sweeney), su música original es de otro planeta, es uno de los productos televisivos con mayor dinamismo cinematográfico y más estilizados. Y, por último, su estimulante narrativa, la honestidad de los personajes y sus comentarios sobre nuestra sociedad.

¿Por qué me fascina? Porque, para que los mensajes de esperanza sean sólidos y lleguen, necesitan venir de personajes en situaciones realmente terribles, y estos personajes sí están en un pozo.

Además de un genio de la música, es una figura que cuenta con una polémica tan ambigua pero pesada (¿cuánto fundamento tenían esas 5 acusaciones?) que me apetecía mucho verla porque pensaba que les sería imposible obviar las acusaciones de abusos. Antoine Fuqua, director, es un cineasta con galones como para concederle la duda de: ¿se atreverán a hacer algo especial, ambiguo y complicado?

Fuqua (60 años) es conocido por dirigir Training Day y más tarde por películas de mucha acción, muy musculares (Equalizer). Es un afroamericano imponente: calvo, barba y muy fuerte; de origen humilde, fue alcanzado con 15 años por una bala perdida en su barrio. Curiosamente, este director de Michael empezó dirigiendo videoclips de Prince.

Sinopsis: Michael es el viaje de Michael Jackson, desde el descubrimiento de su extraordinario talento como líder de los Jackson Five hasta convertirse en una estrella.

No me interesan demasiado las historias de cantantes, suelen ir a lo seguro. Muy genérico, tanto en lo argumental como en lo visual: Rocketman, Bohemian Rhapsody. Aunque, por supuesto, hay excepciones: Better Man o Elvis.

Tras publicarse las terribles puntuaciones de la crítica, me esperaba un desastre, pero me encontré con un biopic (bio de biografía, pic de picture) genérico, correcto e incompleto (habrá 2ª parte) sobre una personalidad fascinante.

La actuación de Jaafar Jackson (el sobrino de Michael interpreta a su tío) es absolutamente espectacular; Colman Domingo, como padre, también resulta muy intimidante.

Es una pena que la propuesta visual sea tan genérica; esa luminosidad digital tan fea hace que todo parezca un poco televisión barata. Vemos un exceso de sets que no parecen vividos, sino de sitcom. Muchos elementos (los estadios o los animales en la casa del cantante) están construidos con unos efectos especiales que, pasado mañana, estarán caducos.

Sin embargo, la actuación del protagonista y los continuos episodios de su vida son tan únicos que estuve siempre interesado, siempre entretenido (dura 2 horas). Hay una escena de entrenamiento de baile absolutamente estimulante de ver.

Lamentablemente, los últimos conciertos que conforman el final son, precisamente, los menos inspiradores.

Conviene decir que la película sigue los hechos desde los 60 hasta el 88, por lo que no cubre sus operaciones de piel ni las acusaciones. Produce Universal y, aunque ha costado 200 M, parece que va a ser un éxito comercial absoluto: podría ganar 80 M solo en USA este fin de semana.

Por quién ha escrito el guion (John Logan; Gladiator, Skyfall), uno esperaría más, pero al parecer originalmente contaba con otro final, uno que hacía referencia a las acusaciones que, por una cláusula legal, tuvieron que eliminar. Así que estiraron escenas y rodaron otro final. Ojalá una 2ª parte sea más atrevida.

Desde la pandemia muchos proyectos se retrasaron y otros se cancelaron. La idea de la exhibición estaba en duda y, cuando la pandemia se acabó y los números no volvían a la normalidad, muchos estudios redujeron el número de películas que estrenaban en salas. Ahora esa mentalidad de streaming primero ha cambiado.

Primero, más películas y que tarden más en llegar a plataformas. En 2024 y 2025, según la fiebre de las plataformas iba relajándose, se empezó a prestar más atención al cine. Cómo volver a ponerlo en forma, porque un éxito en cines siempre va a ser mucho más beneficioso que un éxito en plataformas.

Segundo, las ventanas de distribución. Todos, cuando vemos que se estrena un título interesante, pensamos: ¿me apetece verla en el cine o me espero? Las plataformas han conseguido meternos en la cabeza que los estrenos tardan muy poco en llegar a plataformas y, por lo tanto, es menos urgente ir al cine.

Universal o Disney se han puesto las pilas. Universal se compromete a 45 días (100 en el caso de La Odisea) y Disney, a 60-90. Disney sabe bien con títulos como Zootrópolis 2 que los títulos para los más pequeños aguantan muy bien en taquilla. Es más rentable mantenerlo en salas que inflar la plataforma. Hasta Amazon está manteniendo en cine Proyecto Salvación, que lleva cerca de 600 M.

Incluso Netflix está acercándose a los cines, tiene salas reservadas para Las crónicas de Narnia. Estrenar en cines era la única forma de atraer a Greta Gerwig (Barbie).

Tercero, 2026, un año de títulos excepcionales. Michael Jackson (22 de abril), El diablo viste de Prada 2, la nueva de Star Wars (21 de mayo), Scary Movie 6 (5 de junio), la nueva de Spielberg (12 de junio), Toy Story 5 (17 de junio), Los Minions (1 de julio), Vaiana (8 de julio), La Odisea (17 de julio), Spider-Man 4 (31 de julio), Insidious 4 (21 de agosto), Resident Evil (18 de septiembre), Digger (2 de octubre), la nueva de Los juegos del hambre (20 de noviembre), Las crónicas de Narnia (26 de noviembre), Jumanji (11 de diciembre) y lo más gordo: Dune 3 y Vengadores el 18 de diciembre.

Cuarto, estudios pequeños dentro de los grandes. En la última década los estudios se han centrado en superhéroes. Han dejado de lado sus divisiones pequeñas, donde se experimentaba con películas de presupuestos bajos. No suponían mucha inversión y un éxito ahí era una rentabilidad increíble. La productora pequeña A24 (Marty Supreme) ha demostrado que hay negocio. Será por ello que Warner anunciaba la creación de Clockwork para potenciar títulos pequeños y campañas de marketing creativas.

Cinco, el cine español. Puede que el hecho de que el gobierno actual se haya cargado a la cúpula de Movistar, que ha propiciado éxitos como Los domingos o Sirat, acabe con esta racha. Pero, de momento, la taquilla está un 45% más alta que en 2025 (gracias a Segura) y 3 españolas compiten en Cannes este año: Sorogoyen, Los Javis y Almodóvar.

Sexto, el futuro. Si me preguntan, me parece que, por un lado, se tiene que poner el foco en crear películas originales que nutran de ideas y conceptos a la sociedad. Y, por el otro, innovar la tecnología de las salas de cine para distanciarse de la tecnología doméstica. Este espacio, The Sphere, me parece un buen ejemplo.

La comedia nacional es algo que nunca podrá sustituir ninguna gran franquicia de Hollywood porque funciona a un nivel muy concreto. Justo hace unos días nos enterábamos de que la saga de Torrente ha hecho más dinero en España que la saga A todo gas.

Quizás esta escasez de comedia venga de la mano de que es menos exportable y también de que ha caído nuestra capacidad para reírnos de nosotros mismos.

Por eso resulta tan refrescante cómo Altas capacidades se ríe, entre otras muchas cosas, del progresista medio que defiende lo público hasta que tiene oportunidad de disfrutar de lo elitista. Y, a la vez, hay suficientes golpes a los pijos y al sistema capitalista como para que la parroquia del cine español no la vea como una propuesta “reaccionaria”.

Sinopsis: Alicia y Gonzalo, una pareja de clase media, se encuentran con la oportunidad de matricular a su hijo Fer en un colegio laico de élite; dicen hacerlo por su hijo, pero también es una oportunidad de mejorar el estatus de toda la familia. En Baiona y Morea.

https://www.youtube.com/watch?v=OgMDvjVWY5I

La película despierta muchos debates, además de la vergüenza ajena que genera la pareja protagonista (recuerda a la serie Vergüenza). Ese no decir nunca lo que uno piensa. O la limitada capacidad social de solo saber moverse por el mundo con frases hechas.

Como muchos de nosotros, los protagonistas se meten en líos que crean ellos mismos por no querer ver su verdadero problema y por no saber por qué hacen lo que hacen. Si, además, le añadimos mentiras con patas muy cortas, el caos está garantizado.

El hecho de que los protagonistas estén intentando llevar a su hijo a un colegio privado de corte chupi guay, creativo, con un barniz hippy... y no a uno privado religioso da una madurez a la historia y a sus creadores que no vemos habitualmente.

Que los padres protagonistas no quieran ver que es un colegio elitista, sino uno “potenciador de capacidades” para niños “sensibles” y “especiales”, es lo que les dota de un humanismo lamentable que nos genera empatía y grima al mismo tiempo.

Supongo que es algo que los profesores experimentan a menudo: padres que ven a sus hijos como artistas incomprendidos. Y, aunque a veces sea así, la estadística dice que se trata más de chicos normales con padres que quieren creer que tienen un genio entre manos que los saque de la clase media y, quizás más importante, del anonimato.

Como dijo muy bien una de las mejores cómicas actuales de nuestro país, Victoria Martin:

“Mírame a los ojos. No tienes altas capacidades. Ni TDAH ni PAS. Eres una floja a la que le dan miedo los petardos. No puedes concentrarte porque TikTok te ha freído el cerebro y te aburrías en clase porque eres tontísima. No es porque estés al nivel de Marie Curie. ¿Por qué ibas a ser tú? No hay tantos PAS, no hay tantos TDAH. Todo el mundo tiene altas capacidades y luego yo solo me encuentro a subnormales. El tío dice que es altas capacidades y luego el único libro que se ha leído es Fray Perico y su borrico”.

Sin embargo, si se consigue inyectar verdadera emoción, el resultado puede ser espectacular como “Marte” o “Interestellar”. “Interstellar” no solo hizo casi 800 M sin  que probablemente sea la película favorita del público joven estrenada en la última década.

Este aspecto, los directores de esta adaptación, lo tenían claro. Esta historia viene de un libro del mismo autor de “Marte” (Andy Weir) y del mismo que adapto esa historia protagonizada por Matt Damon (Drew Goddard) en 2015. Por eso hay mucho humor, carisma y cantidades ingentes de azúcar.

Sinopsis: El profesor Ryland Grace se despierta en una nave sin recordar nada. Según recupera la memoria, empieza a descubrir su misión: resolver el enigma de la misteriosa sustancia que provoca la extinción del sol. Disponible en Itaroa, Baiona y La Morea.

Cuando la vi el viernes el cine estaba lleno y pocas veces he visto que el humor de una película funcionase tanto y tan bien (al menos en V.O.). A Gosling (protagoniza y produce) le hemos visto como violento estoico (“Drive”, “Blade Runner 2049”) y como gran actor cómico: “Crazy stupid love”, “La la land”, “Dos buenos tipos” y por supuesto “Barbie”.

Tampoco os podéis perder sus apariciones en Saturday Night Live:

Aquí vemos su vis cómica usada más que nunca. Para bien y para mal el levantamiento de peso muerto que hace aquí Gosling es espectacular. Consigue hacer de una historia con mucha ciencia, larga y sin estar acompañado de otras personas de una película muy disfrutable. Es una proeza. Digo para mal porque también hay muchas conveniencias en la historia que pasamos por alto gracias al carisma de Gosling.

Otro elemento que hay que destacar es la dirección. Esta historia tiene suficientes elementos “fantasiosos” que en manos del 80% de los directores hubieran resultado ridículos. Hay un cuidado en el diseño y fotografía (del mismo de “Dune”) increíbles llenos de riqueza y detalles.

Este guion (de un guionista de “Perdidos”) lo pueden llevar a cabo tan bien muy pocos y, por suerte han contado con más de 200 M de dólares de Amazon Prime Studios. La dirección es llevada a cabo por Phil Lord, Christopher Miller. Famosos por participar en dos fenómenos: “La LEGO Película” y la saga de animación “Spider-Man: un nuevo universo”.

Os dejo el primer trailer que sacaron, os recomiendo no ver más allá de la mitad.

Me parece un poco desafortunado porque las comparaciones de taquilla serán inevitables. Almodóvar, desde Dolor y Gloria (2019), no ha vuelto a tener un buen apoyo del público, ni en Madres paralelas ni en La habitación de al lado. Personalmente, veo que concuerda con la calidad de los títulos; Dolor y Gloria me pareció una obra maestra.

En esta, continúa explorando los sinsabores de un director de cine y siguiendo una conversación entre sus retos como creador y los personajes de sus películas. Es decir, metaficción: una película dentro de una película. Protagonizan Bárbara Lennie y Leonardo Sbaraglia.

Sinopsis: Elsa es una directora de publicidad cuya madre muere durante un largo puente del mes de diciembre. Encuentra refugio en el trabajo, aunque es más bien una huida hacia adelante. Disponible en Itaroa, La Morea y Baiona.

También tenemos dos estrenos relevantes, desafortunadamente los dos directos a streaming: la película de Peaky Blinders, con Cillian Murphy en su legendario papel de Thomas Shelby, y Zeta, una de espías protagonizada por Mario Casas para Amazon Prime.

Peaky Blinders, durante la Segunda Guerra Mundial, muestra a Tommy Shelby regresando a un Birmingham bombardeado y viéndose envuelto en misiones secretas de guerra mientras lidia con su pasado. Escribe el creador original de la serie, Steven Knight; lamentablemente, no dirige. Disponible en Netflix.

Y Zeta, dirigida por Dani de la Torre. Junto con Daniel Calparsoro, ha dirigido algunas de las películas y series de acción y thrillers más memorables de los últimos años: La unidad, Marbella, La unidad: Kabul o El desconocido.

En Zeta, el agente Zeta (Mario Casas) deberá encontrar al único superviviente de un grupo de espías retirados al que parecen estar dando caza. Disponible en Amazon Prime.

Tuvo que coincidir mucha gente en Warner Bros. fan de Paul Thomas Anderson para que saliera adelante. Su protagonista ideal, Leonardo DiCaprio, ya iba a trabajar para él en Boogie Nights, pero una pequeña película se interpuso: Titanic. Han tenido que pasar 3 décadas para que coincidieran, y qué mejor oportunidad.

DiCaprio ha encabezado los proyectos que han dado el Oscar a Mejor Película y Mejor Director a tres leyendas: James Cameron por Titanic, a su querido Scorsese por Infiltrados y ahora a PTA. El film sobre un padre buscando a su hija secuestrada ha obtenido 6 premios de las 13 nominaciones a las que optaba: Película, Casting, Mejor Actor de Reparto, Montaje, Guion Adaptado y Director.

En esta edición se ha visto perfectamente lo importante que es el momento. Como dice una de las ganadoras: “El tiempo no existe y aun así nos controla”. Si esta gala llega a ser dentro de un mes, probablemente Sinners hubiera ganado. Si hubiera sido en febrero, Una batalla… hubiera ganado aún más. La conversación va cambiando en función de aspectos como los promocionales o errores de los nominados.

Desde su estreno, la euforia de la crítica con la película de DiCaprio fue total y absoluta (la mía también, por cierto), casi tanto que pudo compensar el hecho de que la cinta no haya sido rentable en su exhibición en cines. Recaudó 200 M y sus costes de producción y marketing superan los 150 M. También por eso era importante esa victoria frente a Sinners, que sí tuvo un gran apoyo del público.

La gala fue bien, nada particularmente interesante. Su presentador, Conan O’Brien, que repetía, no lo hizo especialmente ameno ni memorable. Me encanta Conan, pero nunca es tan bueno en los Oscars como lo es en su programa de humor.

Probablemente lo más interesante de la gala era la cruzada de Timothée Chalamet para ganar el Oscar por Marty Supreme. La persona que menos sabe de los Oscar es de lo que querrá hablar hoy. Su derrota no se debe a los comentarios sobre ballet y ópera, porque cuando se hicieron ya estaba cerrada la votación. Chalamet ya había perdido los premios anteriores a los Oscar, como los Bafta.

Han optado por un trabajo menor de un actor que cae bien, que lleva trabajando en Hollywood desde que era un niño en series como The Wire o Friday Night Lights. Un actor del que todo el mundo habla bien, con aspiraciones a ser un director consistente —dirigió Creed 3— y que daba la sensación de que, con o sin Oscar, tenía mucho futuro por delante. También es una década mayor que Chalamet y los Oscar no suelen optar por la opción más joven. DiCaprio también lo ganó pasados los 40. Además, su campaña para los Oscar fue mínima, no parecía obsesionado.

No detesto totalmente la decisión porque creo que el peso de un Oscar en el ego puede acabar con un actor. Michael B. Jordan está lo suficientemente establecido y Chalamet, a ratos, parece el lado oscuro de su personaje en Dune. ¡Demasiado poder!

La 1ª, aun siendo muy oscura, es la más auténtica, y la 2ª y la 3ª me parecen muy buenas, pese a haberlas visto hasta la saciedad. La 4ª y, especialmente, la 5ª me parece que se van de madre. No ayuda que haya menos talento en los secundarios ni que Segura parezca acomplejado y tenga que montar secuencias de acción en sus finales. Sus secuencias de acción siempre parecen competentes, pero sin pulso ni emoción.

Vaya si es listo Segura, que durante los años en los que aumentaba la sensibilidad, al menos pasiva, nunca activa, se dedicó a esa saga tan rentable como Padre no hay más que uno. Una amiga me decía: ¿Por qué Segura no hace películas buenas como El Reino de Sorogoyen? ¿Adivina qué? La empresa de Segura produjo El Reino o La infiltrada; sus comedias pagan muchas apuestas del cine español.

Centrándome en Torrente Presidente, me ha sorprendido en el mejor de los sentidos. Por un lado, es muy agradecido no saber nada del film y, por otro, hubiera sido muy fácil hacer una película solo de criticar a Pedro Sánchez, viendo cómo está la conversación pública. Curiosamente, critica más a Vox y al sistema. Y las críticas al PSOE o a Pedro Sánchez no son muchas, pero hay alguna muy aguda.

En esta deja a un lado los finales de acción absurdos por un cameo que puede haber costado más que el presupuesto de la 1ª película. Verdaderamente sorprendente. También deja a un lado los momentos sexuales más burros para centrarse en lo, aún más, anacrónico que es este personaje en el mundo de los micromachismos.

Segura hace bien en contenerse y disparar a todos lados como buena sátira. También hace muy bien en traer cameos de ambos lados, artistas y personalidades de ambas cuerdas. Le da al filme mayor legitimidad como fotografía del momento actual y no una película para los que Torrente es el único personaje del cine español.

Esta es su película más presentista porque hay bromas a noticias ocurridas en los últimos dos años y varios guiños a la legislatura progresista. Esto podría parecer que la hace estacional, pero algo me da a mí que la sensación de que una parte importante del sistema está podrido no se va a ir a ningún lado.

Y lo mismo ocurría con los Oscars y Una batalla tras otra. Y, si se hubieran celebrado hace dos semanas, hay dos premios que todo el mundo hubiera tenido claros: Mejor Película, Una batalla tras otra, y Mejor Actor, Timothée Chalamet por Marty Supreme.

Sin embargo, la conversación en redes —algo ambiguo y difícil de medir— hace parecer que todo ha cambiado: a favor de Sinners y en contra de Chalamet. Hay parte del público a la que le molesta su forma de promocionarse, su pareja, Kylie... Esta parte del público ha aprovechado de forma absurda un comentario incorrecto del actor para echar abajo su candidatura. De esta forma, el premio caería en Michael B. Jordan (Sinners).

Es posible que todo esto sea un bluff con el interés de generar drama antes de los Oscars. Al fin y al cabo, las votaciones se cerraron el 5 de marzo, días antes del boom para acabar con Timothée.

Reconozco que, si Sinners arrasa, no podré evitar lamentarme durante unos segundos. Me encanta su director, Ryan Coogler, y la película que ha conseguido hacer, pero ¿la mejor de 2025...? Copia demasiado a Abierto hasta el amanecer (1996) y la acción en su último tercio es demasiado conveniente.

Yo, por supuesto, creo que la noche debería ser de Una batalla tras otra (la puse la mejor del año). Por duración y temática es menos digerible que Sinners, pero creo que es una pieza única de Hollywood. Una anomalía fresca, con mucho presupuesto, mucho que decir, de un director legendario nunca premiado (Paul Thomas Anderson) y, aun así, con aspiración de entretener.

Por último, hay que tener en cuenta que la “corona” de Mejor Película a veces pesa demasiado y acaba dañando la reputación de una película. Por ejemplo, The Artist, Chicago, Crash, Una mente maravillosa... Son filmes que reciben muchas críticas por no estar a la altura del premio que recibieron.

Si gana Una batalla... pertenecerá a las pocas veces que los Oscars acertaron (Oppenheimer, Titanic). Si no gana, se quedará con: “la que tendría que haber ganado”.

Sin embargo, todo esto son suposiciones porque no sabemos quién va a ganar ni qué pensaremos de estos títulos en una década. El tiempo siempre es el mejor juez.

En 2025 hemos tenido una versión diferente de esos taquillazos, centrados en un grupo de gente joven con Lilo & Stitch (mil millones), Minecraft (958 M), Zootrópolis 2 (1,5 mil millones) o todo el dinero que ha hecho el anime.

En 2026 tenemos todas las secuelas más potentes, pero también películas originales de directores legendarios. Aquí os dejo algunos de los títulos más relevantes.

Secuelas que van a arrasar: Spider-Man: Brand New Day, Scream 7, Super Mario 2, El diablo viste de Prada 2, Scary Movie 6, Toy Story 5, Minions 3, Moana, Paw Patrol: The Dino Movie, Los juegos del hambre, Los padres de ella 4 o The Mandalorian and Grogu.

Autores comerciales

Emerald Fennell, Cumbres borrascosas – 13 de febrero

Phil Lord y Christopher Miller, Proyecto Salvación – 20 de marzo

Kristoffer Borgli, The Drama – 29 de mayo

Antoine Fuqua, Michael – 24 de abril

Steven Spielberg, El día de la revelación – 12 de junio

Christopher Nolan, La Odisea – 17 de julio

Ridley Scott, The Dog Stars – 28 de agosto

Alejandro G. Iñárritu, Digger – 2 de octubre

Aaron Sorkin, The Social Reckoning – 9 de octubre

Greta Gerwig, Las crónicas de Narnia: El sobrino del mago – 26 de noviembre

Denis Villeneuve, Dune 3 – 18 de diciembre

Los hermanos Russo, Vengadores Doomsday – 18 de diciembre

David Fincher, Las aventuras de Cliff Booth – final de 2026

Si Hollywood está escuchando veremos más animes como el éxito de Netflix (producido por Sony), K-Pop Demon Hunters. Mientras, enumeremos los mejores títulos del año:

8. “Weapons”

Disponible: HBO y Movistar

Por qué: ¿Una película que consigue aterrorizar y hacer reír al público por igual? Y si encima con un presupuesto de 30 supera 200 en recaudación, es incuestionable. Mi crítica.
 

7. “Tardes de soledad”

Disponible: Movistar

Por qué: Por lo anti narrativo de la película, por tener un punto de vista tan acotado y con unos intereses, alrededor de la tauromaquia, tan alejados de lo común que la hacen única. Mi crítica.
 

6. “Sirat”

Disponible: Movistar

Por qué: ¿”Mad Max” mezclado con “Cargada Maldita”? Que cuenten conmigo. Pero también por esa reflexión que encierra ese final tan impactante y dramático: no hay yo, ni pasado ni traumas cuando nos debatimos entre la vida y la muerte. Mi crítica.
 

5. “Train Dreams”

Disponible: Netflix

Por qué: Pura belleza, una versión del preciosismo de Terrence Malick (“El árbol de la vida”) o de “The Brutalist” pero amable, tierna y con una duración (90 min) que aleja la pedantería y el ego en este tipo de relatos. Le gustó hasta a Boyero.
 

4. “28 años después”

Disponible: Alquiler digital

Por qué: Zombis o sin zombis, qué buena, punk y emocionante es esta película. Danny Boyle (69) es más moderno que ningún veinteañero. La secuela sale en enero y la tercera está ya confirmada. Mi crítica.
 

3. “Los Domingos”

Disponible: Pronto en Movistar

Por qué: Junto con “Sirat” es el mayor fenómeno español, no del año sino, en varios años. Mi crítica.
 

2. “The Brutalist”

Disponible: Movistar

Por qué: Gran película que estoy deseando volver a ver. Adrien Brody posee un carisma que ocupa espacio en una historia dolorosa en el que cada plano cuenta. En casos como estos, el cine se parece bastante a una máquina del tiempo. Por suerte su director ha escrito una película que su mujer a dirigido y se estrena en marzo. Mi crítica.
 

1.“Una batalla tras otra”

Disponible: Movistar y HBO

Por qué: La película del año es la de un director/autor haciendo un filme comercial, dejando pretenciosidades a un lado y queriendo entretener. Esto nos da un artefacto que habla sobre el paso del tiempo, los saltos generacionales, el conflicto eterno entre autoridad y revolución… Todo esto con un ritmo frenético, sentimiento y dos persecuciones impecables. A Paul Thomas Anderson le han dado un cheque de 150 M y ha respondido con creces, sin pretensiones ni pausas contemplativas. Qué maravilla. Mi crítica.

Por otro lado, Cameron ha conseguido que el espectador más casual sepa que ver Avatar en cines es como una atracción: es cine con esteroides.

Volví a ver Avatar (2009) por encima en Disney+ y me siguió pareciendo maravillosa. Es arquetípica, sí, pero la sensación de continuo descubrimiento y exploración, los retos para que el protagonista consiga ser aceptado…

El personaje de Neytiri, interpretado brillantemente por Zoe Saldaña, sin la cual no se explica el fenómeno Avatar… Hace que todas sus escenas sean imprescindibles. Su salvajismo, competencia, belleza y orgullo resultan tan auténticos que uno se olvida de los efectos especiales.

La secuela de 2022 me sorprendió en el mejor de los sentidos. Es verdad que entraba en una narrativa de TV, de dejar cosas para futuras películas. Algo que siempre resulta frustrante. Sin embargo, mantenía la sensación de retos, nuevos descubrimientos, personajes puestos a prueba… Y un tercer acto apoteósico donde uno puede encontrar claves de toda la filmografía de Cameron. Esa peli tuvo tráilers increíbles como este:

Tenía muchas ganas de la 3ª porque considero a este hombre un genio que verdaderamente ha llevado la tecnología al siguiente nivel y (más importante), ignorantes o no de su existencia, el público le ha seguido.

Siento cierta decepción con Avatar: Fuego y ceniza porque damos demasiadas vueltas: el mismo nudo narrativo se hace y deshace varias veces. No solo se repiten dinámicas de la anterior película, El sentido del agua (2022), sino algunas del propio film.

Acepté que El sentido del agua tuviera cierto anticlímax con el malo sobreviviendo, pero ese final tenía catarsis. Este tiene todo el anticlímax y ninguna catarsis. No hay decisiones o actos irreversibles. Nos quedamos prácticamente igual que al final de la anterior. Es imperdonable que la dupla Sully y Quarich no se resuelva.

Todo el misticismo y espiritualidad que emocionaba de la saga, aquí suena más a kumbaya de todo a cien. No me gusta hablar mal de películas, a menos que sea la película comercial del mes. Tipo Gladiator II.

Avatar: Fuego y ceniza cumple con el espectáculo y a veces realmente crees que te va a sorprender, pero acaba volviendo al bucle infinito. Hay desarrollo de personajes, sin duda. Neytiri sigue siendo lo más vivo en esta ensalada de píxeles y Oona Chaplin consigue romper la barrera con un personaje que parece totalmente real y único de ese mundo.

Cameron, a sus 71 años, sigue rodando mejor acción que cualquier película de Marvel. Nunca marea. Es el guion y el montaje lo que la hacen menos efectiva. Sospecho que aquí había un montaje mucho más largo y que ha habido unos tijeretazos importantes. Esto siempre es así, pero aquí es especialmente obvio.

Algo decepcionado, aunque esta cinta de Disney ya ha obtenido el mejor estreno en cines españoles de todo 2025. Ojalá guste y, si me persuade alguna buena crítica, es posible que vuelva a verla en un cine mejor del que lo hice.

No sé si quiero que hagan más o no. Terminarlo en un punto tan bajo me fastidia, pero dedicarle más recursos, si no van a mejorarlo, también es un bajón.

Para mí, su carrera es un misterio difícil de digerir. Ya es difícil aparecer en una gran película, por lo que solo hacer grandes películas es imposible. DiCaprio podría haber sido aquel que hizo Titanic y luego no volvió a hacer nada con un impacto similar.

Su trabajo siempre ha significado un evento; sus películas mezclaban apuestas arriesgadas acompañadas de grandes éxitos comerciales. Es el actor favorito de aquellos que ven mucho cine y de los que no ven mucho cine. Sus títulos son aquellos desafíos que los espectadores casuales están dispuestos a ver. ¿Mis top 3? Titanic, Origen y El lobo…

En el reciente documental sobre Scorsese que tenéis en Movistar, se habla de cómo Scorsese (83) no solo encuentra en DiCaprio un gran actor y compañero, sino alguien que le da un constante y estable éxito comercial que mantiene su carrera a flote.

Aunque la estrella de cine como aval de un éxito comercial se pone cada vez más en duda, su participación en proyectos es lo que hace que los estudios aprueben o no una película.

No se entendería que Warner diese 150 M al director de Una batalla tras otra sin Leonardo. Al octogenario Michael Mann (82), leyenda por El último mohicano, Collateral o la serie Miami Vice, Amazon no le habría dado luz verde para su secuela de Heat si Leo no fuera protagonista.watch?v=1HYzPh_vp1w

Heat (1995) es una de polis y cacos con De Niro y Pacino, un filme que se ha vuelto de culto con una gran influencia en el cine moderno, disponible en Netflix. La secuela contaría con un plantel de actores desbordante. Ojo: Christian Bale, Ana de Armas, Adam Driver, Austin Butler, Bradley Cooper o Channing Tatum. Leo la rodaría en agosto.

Y en febrero comenzaría su 7ª colaboración con Scorsese tras Gangs of New York, El aviador, Infiltrados, Shutter Island, El lobo de Wall Street y Los asesinos de la luna. Se llama What happens at Night, junto a Jennifer Lawrence, sobre un matrimonio que viaja a una pequeña población para adoptar un bebé, donde se encuentran con un enigmático grupo de personajes.

Me sorprende para bien la pequeña escala del proyecto y las influencias mencionadas: Vertigo y Shutter Island. Empiezan a rodarla en febrero, en plena temporada de premios para Una batalla tras otra, que os adelanto ganará a Mejor Película.

Ya pensaba ir pero esto hace que pague la entrada, aún más, convencido. Así es como se construye una industria sana. Cuando finalmente tiene lugar una película esperada, diferentes estudios se ponen de acuerdo para introducir nuevos proyectos por los que los fans esperen impacientes.

“Avatar: Fuego y ceniza” (la 3ª) se estrena el 19 de diciembre. Es el último gran petardo del año. Es también una buena muestra de cómo de arriesgado es el negocio del cine: algunas informaciones indican que su coste podría superar los 400 M, sin marketing. Eso colocaría su punto muerto pasados los 1.200 M. A pesar de la apuesta, nadie puede asegurar su victoria en la taquilla. Sin embargo, el historial del director es increíble.

Además de crear iconos como el de Terminator y hacer dos de las grandes secuelas del cine, “Aliens” (1986) y “Terminator 2” (1991), rompió todos los récords con “Titanic” (1997) y “Avatar” (2009). Esta entrevista que le hicieron en 2022, es espectacular para entender su disciplina, obsesión y su sacrificio familiar.

No solo las dos están en el top 10 de más taquilleras, sino que son las únicas de ese top que no son secuelas. Conviene recordar que si se valorase el número de entradas vendidas y no ingresos, la lista tendría “Lo que el viento se llevó” (1939) a la cabeza.

Cuando Cameron, de 71 años, se puso a trabajar en las secuelas, iban a ser 3 y se convirtieron en 4. Disney dio luz verde a producir las dos primeras: “El sentido del agua” (2022), me encantó por cierto, y la que se estrena ahora. En función de los resultados aprobarán las dos pendientes. El histórico indica una tendencia a la baja pero sigue siendo muchísimo dinero: “Avatar” (2009), 2,9 mil M y “El sentido…” (2022), 2,3 mil M.

¿Superará alguien los 3 mil? A su favor tiene la maquinaria de marketing de Disney, y una competencia en Navidad bastante floja: “Anaconda”, “Bob Esponja” y “El Médico II”.

Tengo muchas ganas de ver lo que ha hecho Cameron. No espero la panacea, sí espero estar entretenido, que me interesen y conmuevan las decisiones de los personajes, alguna sorpresa y estar maravillado continuamente ante las imágenes. Su duración es tres horas, así que no hay duda de que conviene hacer ejercicio antes. Si no, en mi caso, la película ya empezaría con desventaja.

Además, en 2026, tenemos La Odisea de Christopher Nolan, Dune: Parte 3, Los Vengadores, la nueva película de Steven Spielberg, una comedia de Tom Cruise y Alejandro Iñárritu, Spider-Man 4, Shrek 5, Project Hail Mary, Toy Story 5…

Nunca he sido fan de las adquisiciones; preferiría que los ejecutivos encargados de crecer los ingresos lo hicieran creando nuevos productos o aumentando la calidad. Comprar otra empresa es una forma artificial de crecer. Históricamente, en el sector de medios, este tipo de compras no han salido bien: AOL + Time Warner, Sony + Columbia, Viacom + CBS…

Esta no es la primera vez que Warner es adquirida, pero sí por un competidor directo. Fue comprada por AT&T en 2018 y luego fusionada con Discovery Inc.. Cualquier práctica con tintes monopolísticos puede ser peligrosa para el mercado (menos competidores, despidos, posible subida de precios). En este caso preocupa porque la plataforma nº 1 (301 M de suscriptores) está comprando a la plataforma nº 4 (125 M).

Por otro lado, lo que preocupa es que, de llevarse a cabo (está por verse que los organismos regulatorios lo aprueben), Netflix estrenaría los títulos de Warner como trata sus películas premium: dos semanas y ya. Empezarán diciendo que no para calmar las aguas, pero aplicarían su filosofía consumer first.

También preocupa porque la calidad tecnológica de Netflix es incuestionable, pero la de sus películas… es floja. Especialmente los últimos años. Tienen dos tipos de éxitos: los inesperados (La casa de papel, El juego del calamar, Stranger Things) y los premium, traer a directores legendarios a que rueden sus epopeyas que ningún estudio financiaría (El irlandés, Roma, Frankenstein). Todo lo demás es cine algoritmo.

Sus eventos anuales “TUDUMS”, con adelantos de sus títulos, hace tiempo que dejaron de interesar. Menos consumo en su plataforma y la oportunidad han provocado su decisión de compra.

Aquí hay tres protagonistas: Ted Sarandos (Netflix), David Zaslav (Warner y conocido como la persona más odiada en Hollywood) y David Ellison (Paramount). Paramount parecía la ganadora de la puja; no hace daño tener el favor de Trump. Esa compra todavía es posible, algo más favorable para Hollywood y el cine en general. Por supuesto, lo mejor posible es que Warner no se vendiera.

Esto es una noticia que ha sacudido Hollywood y que, de llevarse a cabo, sería uno de los mayores eventos de su Historia. Por supuesto, titanes de Hollywood como Tom Cruise, Spielberg o Christopher Nolan, presidente del sindicato de directores, están activamente en contra. A pesar de la visión de capitalismo salvaje de USA, sus sindicatos tienen más poder que ninguno en Europa y no están a favor de algo así.

Crucemos los dedos.

Desde entonces nos ha entregado algo muy auténtico, como son estas historias de misterios con ecos a Poirot, Miss Marple, Sherlock Holmes… Me encanta la 1ª de 2019, en la que mezcla el subgénero del “quién lo ha hecho” diciéndote quién lo ha hecho en la primera media hora para que la cinta pase a ser un thriller.

La 2ª, Glass Onion (2022), fue un traspiés. El dinero de Netflix, que compró la franquicia, parece un estorbo, haciendo que luzca barato. Aun así, Johnson siempre atrae a un elenco maravilloso de artistas olvidados (Kate Hudson), desconocidos (Madelyn Cline) o auténticas estrellas (Daniel Craig), pero había demasiado barro político post-covid.

Por eso me alegró ver que la nueva sucedía en un lugar pequeño. Dejamos la isla del multimillonario por una pequeña parroquia. En esta saga, el protagonista nunca es Daniel Craig, sino alguien involucrado en el misterio. Ana de Armas en la 1ª, Janelle Monáe en la 2ª y aquí es Josh O’Connor (Carlos III en The Crown).

Sinopsis: El detective Benoit Blanc se une a un joven y honesto sacerdote para investigar un crimen totalmente imposible en la iglesia de un pequeño pueblo con una oscura historia. Disponible ya en Golem La Morea y el 12 de diciembre en Netflix.

Superior a Glass Onion pero inferior a la original, Johnson sigue ofreciéndonos un misterio estimulante con ideas y grandes actores. Sin embargo, repite excesos: todos los posibles sospechosos son conservadores imbéciles, se salva quizás Cailee Spaeny. Si Norton era Musk en la secuela, aquí Josh Brolin es una caricatura, en forma de párroco, de Trump. Su personaje busca tener a sus feligreses alterados, hurgar en su odio.

Habla de cuestionar la verdad (representación de la posverdad) y de cómo cualquier historia puede ser desdoblada a tu favor. También alude a eso que se decía de que Trump podría ir a la calle a disparar a una viejecita y le seguirían votando. Se hace obvio cuando sus fieles descubren algo sobre el venerado párroco que están dispuestos a relativizar.

Dejando eso a un lado, hay cosas que disfrutar. Hay una fotografía perteneciente al pasado deliciosa. Composiciones imposibles, muy cinematográficas; los filtros rojos en los flashbacks, las sombras alargadas. Hay cierta conversación sobre las narrativas, desde la religión hasta el típico relato de la ramera del pueblo.

Es de valorar el equilibrio que ofrece Johnson entre su anticlericalismo verbalizado por el personaje de Daniel Craig contrastado con un protagonista cura fundamentalmente bondadoso. Craig quiere pillar al malo, O’Connor quiere acompañar al culpable.

Me duele que Johnson frustre su película con elementos políticos tan primarios y solo en una dirección, y que los puntos clave de acción resulten totalmente inverosímiles (asesinatos, envenenamientos…). Rian, vuelve a la ciencia ficción, por favor.

Por otro lado, otro genio llamado Vince Gilligan, el creador de Breaking Bad, estrena su nueva serie: Pluribus (en Apple TV y Movistar). Gilligan nos dio la serie más importante del siglo, seguida de Juego de Tronos. Pero Juego de Tronos se basaba en un material previo; esto no le quita mérito, pero la pone en otra liga.

Además, mientras Vince ha tenido rotundos éxitos con su vida post Breaking Bad (cinco temporadas de Better Call Saul y la película El Camino), los creadores de Juego de Tronos solo han creado una temporada de una serie cancelada, El problema de los 3 cuerpos.

Por último, tenemos dos estrenos de una iconografía tan imaginativa que podrían ser un videoclip de Rosalía: Bugonia y Predator.

Bugonia es la cuarta colaboración de la actriz Emma Stone con el griego Yorgos Lanthimos. Esta es, junto a La Favorita, su colaboración más accesible para el gran público: un thriller de un secuestro alrededor de un misterio estimulante y absurdo al mismo tiempo. Pude verla en San Sebastián y es genial.

Por otro lado, Disney estrena una nueva entrega de Predator, llamada Badlands. Hace tres años no estaba nada familiarizado con esta saga. Sin embargo, estrenaron Presa y me encantó la propuesta. Una prima hermana de El Renacido, con elementos de ciencia ficción. Hace unos meses estrenaron otra entrega de animación en Disney+, Killer of Killers, y de nuevo, lo bordaron. Un guion inteligente con poco diálogo, personajes épicos y acción violenta.

Ahora, el responsable de estas dos entregas (y de uno de mis thrillers favoritos: Calle Cloverfield 10), Dan Trachtenberg, nos trae una nueva versión. Una en la que el monstruo está en desventaja, obligándonos a empatizar con él. Las dos entregas comentadas han gustado mucho a la crítica y deben de haberlo hecho también al público, ya que Disney está estrenando esto en cines. No lo harían si no tuvieran fe en ella y si no hubiera consumo de esta saga en su plataforma.

¡Disfrutad así de este fin de semana!

Su guionista y directora (1978, Baracaldo) ya me volvió loco con Querer el año pasado. Consigue en sus dramas mezclas perfectas, equilibrios en los que la mayoría de dramas familiares se tropiezan con el melodrama. La fotografía, el diseño, cada frase del guion y la música son para estudiar. De la banda sonora, este tema es buenísimo:

Para empezar, uno siente que hay mucha historia que no sabemos antes y después de lo que ocurre en la película. Nos deja con ganas de más. A pesar del drama, hay humor, y aunque llegamos a situaciones extremas, nunca hay melodrama, nada exagerado.

Sus personajes no solo no son dramáticos, dan la sensación de que se callan más de lo que dicen. Esta sensación de ebullición genera mucha tensión, una tensión que no es efectista, como sí suelen resultar las historias de otro gran realizador, Sorogoyen.

Aquí tenemos dos posturas: una chica joven llamada Ainara, que quiere meterse a monja de clausura, y su tía Maite, atea convencida. Es muy inteligente hacer que, mientras la joven hace este proceso de discernimiento religioso, el resto de los personajes también parezcan estar teniendo un discernimiento personal. Maite sobre su matrimonio y el padre de Maite, uno laboral y otro personal.

La película resulta dolorosa por dos motivos. Primero, porque desde el principio todo parece que va a resultar en la decisión más dramática. Durante el camino queremos creer, en diferentes momentos, que hay esperanza, pero esta película tiene un destino claro desde el principio.

El otro motivo por el que nos acompaña días después de verla es que todos los personajes nos resultan repulsivos y magnéticos. Ainara parece estar soportando una gran carga, pero cuando habla de su relación con Dios, es difícil permanecer tan cerca. Su tía, que es la voz de la precaución, tiene su vida personal desmoronándose, con o sin monja. El padre de Ainara es un desastre en varios sentidos, pero muchas veces es más comprensivo que la tía.

Aunque la cinta intenta ser parcial, creo que hay un último tramo en el que deja clara su posición. Empieza con un crucifijo y termina con Maite. Es sutil, pero la segunda vez se me hizo más claro. Una vez muere la abuela, la forma que tiene de rezar Ainara en el funeral y de hablar con Dios me traslada la idea de que este personaje ha encontrado en la fe una forma de lidiar con su dolor.

Meterse a monja de clausura es una forma de intentar no sufrir. Y cómo no empatizar con ver en el mundo un sinfín de desconcierto y sufrimiento. Sin embargo, esta herida hace que su decisión, en mi opinión, no sea limpia: una forma de inmolarse o autodestruirse en silencio. La frialdad con la que le dice a su tía “rezaré por ti” o cómo la madre priora le marca el paso hasta que nos cierra la puerta da escalofríos. Ya hemos perdido cierta conexión con Ainara; estamos con Maite.

Acabamos con Maite cruzando un paso de cebra. Quizás estoy viendo de más, pero en los pasos de cebra tenemos un poco una metáfora vital: estamos caminando, tomando decisiones; a veces el semáforo nos manda parar y nos toca mirar. Unas veces los cogemos todos en rojo y otras en verde.

Lo que para mí sí está claro es que a Alauda Ruiz de Azúa le interesa mostrar la fragilidad de las relaciones, especialmente las familiares, y nos acostumbra al fracaso, desde el laboral al matrimonial.