Además de que en 2010 no sabíamos en lo que Facebook y las redes sociales se convertirían, el filme tiene una energía única. Tienes a un director de historias de asesinos en serie como David Fincher dirigiendo una historia de traición, pero también de oficinas, sin acción. Pero tiene en sus manos un guion escrito por Aaron Sorkin, uno de los guionistas más famosos, reconocibles y alabados (El ala oeste, Moneyball).

Esta mezcla es una de las grandes colaboraciones del cine. Veremos en unas semanas cómo Fincher se maneja con otro locuaz como es Tarantino en Las aventuras de…. Esa cinta es tan persuasiva como el mejor algoritmo de Facebook.

Que Fincher no vuelva y dirija Sorkin es lo que la hace agridulce. Por lo bueno que es el primero como director y lo soso que es Sorkin dirigiendo, que no escribiendo. Aun así, si recuperaba el ritmo de su ópera prima (Molly's Game), podía funcionar.

Sinopsis: Cuenta la historia real de cómo Frances Haugen, una joven ingeniera de Facebook, consigue la ayuda de Jeff Horwitz, un reportero del Wall Street Journal, para emprender un viaje que acaba destapando los secretos más ocultos de Facebook.

Hay muchas cosas que hacen a esta película ligera en el peor de los sentidos. La relación entre periodista y confidente carece de química o carisma. Esta película llega cinco años tarde. Hasta aquellos que usan menos las redes sociales ya son conscientes de que se emplean los trucos más baratos para mantenernos enganchados. Ha habido mil documentales, entre ellos The Social Dilemma (Netflix).

Por si fuera poco, las redes sociales como gran villano han perdido peso frente al "próximo apocalipsis": la IA. Justo cuando se estrena El precio de la red, en el Festival de Cine de Nueva York se ha podido ver una película sobre Sam Altman y la creación de OpenAI. Su director, Guadagnino, ha sido infinitamente más rápido que Sorkin.

Los augurios y amenazas que recibimos de forma diaria del mundo pos-IA hacen que las maldades de Zuckerberg resulten lejanas y conocidas. Otro de los aspectos fascinantes de La red social es que el filme no parecía tener un punto de vista concreto sobre quién tenía razón respecto a quién es el autor de Facebook. ¿Mark? ¿Eduardo? ¿Los hermanos Winklevoss? Eso la hacía irresistible. Aquí no hay discusiones ni argumentaciones de nivel; además, todos hablan como si estuvieran en una presentación.

Aunque luce mejor que sus dos anteriores películas, el lenguaje visual es muy televisivo. La película salta en el tiempo entre 2019, 2020 y 2021. Sorkin tiene tan poca fe en su audiencia o en su montaje que nos pone una línea con los años que se mueven según vamos saltando. Es decir, emplea las mismas herramientas que un documental de la Guerra Civil.

Imagina que Nolan hiciera eso cada vez que saltamos en el tiempo en sus películas. No habría espacio en la pantalla para tanto diagrama. Sorkin debería seguir escribiendo y cediendo sus guiones a directores establecidos que sepan equilibrar sus libretos. No es un desastre total, es entretenida y ligera, pero también solemne y superficial.

Sinopsis: Liesa, un inspector de policía, intuye que algo está cambiando en los burdeles de España. Suizo (Raúl Arévalo) y sus socios dirigen varios clubes de carretera, donde se explota sexualmente a mujeres de todo el mundo.

Se nota que no han querido repetir la violencia habitual que rodea a los puticlubs en la ficción. Tampoco reiteran la estética de pasarelas ni nada remotamente atractivo. Todo es muy patético y tan bonito como la espalda de un frigorífico. Aun así, la serie me recuerda mucho al Bada Bing, el club de striptease de Los Soprano.

Se agradece que en este caso haya delicadeza en lo que se nos muestra, sin blanquear ese mundo horrible ni hacernos sufrir más de lo necesario. Ni se dan palizas todos los días ni hay nada agradable para estas mujeres. Todo está a años luz de ese episodio (3x06) traumático de la ficción de Gandolfini.

Vemos muchos laberintos en esta serie llamada igual que la obra de Kafka. Las dificultades de la policía, las de una jueza o el callejón sin salida en el que Claudia se encuentra en cuanto empieza a trabajar para Suizo con esa deuda interminable.

Suizo, increíble Arévalo con el look Koldo García Aguirre. Me gusta el personaje porque su mayor arma es la afabilidad, les da la esperanza a estas chicas de que en 5 meses se volverán a casa con los bolsillos llenos. Todo esto mientras te guarda el pasaporte para que «no te lo roben». El choque entre su apariencia y su amabilidad te desarma.

La ficción carece del dinamismo de algunas de las series comentadas. Hay apenas una escena de acción (que me recuerda a Los Soprano, 1x12). Pero no parece que le interese tanto como los personajes y el ritmo del drama no lo necesita.

Y un último tema: esta serie transcurre a finales de los 90 y, aunque los créditos de cada capítulo nos informan del estado actual de la trata, es una tentación creer que todo esto pertenece al pasado, que ¡hoy en día! En pleno 2026, siglo XXI… Esto ya no pasa.

Ese presentismo nos hace asumir que los «Ábalos» de turno (otro habitual de la prostitución y que en distancias cortas daría un miedo que te cagas) se extinguieron en la última década por un meteorito llamado modernidad. Lamentablemente, los Torrente/Ábalos son pasado, presente y… futuro.

Es una de las series del año, no os la perdáis desde el 8 de octubre en Movistar+.

Ambas películas fueron un absoluto éxito de crítica y público. El renacido colmó la conversación del cinéfilo amateur durante mucho tiempo: que si la escena del oso, que si es la mejor interpretación de Leo…

Intento ver El renacido una vez al año, aunque sea solo para relativizar mis dramas cotidianos. El mexicano Iñárritu no tiene problemas en mostrarte películas duras de narices. Demasiado pequeño vi Babel y 21 gramos, y así de cínico me quedé.

Sinopsis: Un hombre (Tom Cruise) se embarca en una misión frenética para demostrar que es el salvador de la humanidad antes de que el desastre que ha desatado lo destruya todo.

“Digger” es una película de ensayo, un capítulo de Black Mirror, pero con un presupuesto de 160 millones. Los jefes del estudio que aprobaron esa decisión dejarán sus oficinas el próximo martes. El éxito o fracaso de un film se suele saber una semana antes del estreno y “Digger” prometía ser un fracaso comercial legendario, y así ha sido.

Primero, lo positivo. Tiene al mejor Tom Cruise en muchísimos años, especialmente en un monólogo con flashes a Código rojo y “me necesitas en ese muro” de Algunos hombres buenos. Su propuesta narrativa es atrevida, va a por todas y algunas escenas de su final la harán profética en algunas décadas (espero que antes no). Además, no tiene un ritmo contemplativo ni lento, es entretenida y, para una película tan grande, tiene uno de los mayores giros narrativos que he visto en un primer acto.

Y es que esta película tiene muchos retos. Como decía, el envoltorio es una superproducción con un coste de una de superhéroes y, por dentro, es una reflexión vital sobre cómo digerimos fracasos políticos cataclísmicos y cuál es el papel del arte tras ellos. ¿Cómo alguien cuyos familiares han fallecido en la DANA o en Adamuz puede creer en el sistema y no querer que llueva napalm? Eso es algo que yo me pregunto y sobre lo que la película reflexiona a gran escala. En el mundo real no tenemos déficit de ridículos políticos, sociales y empresariales; hay un buffet completo del que servirse según a quién detestes más.

Es difícil hablar de “Digger” sin mencionar spoilers (no lo haré), pero para todo lo exagerado de la trama y sus personajes hay un motivo concreto que, según avanza, lo justifica. La cinta quiere irritarte. Sin embargo, parece que esa justificación le ha permitido a Iñárritu pasarse de rosca y hay algunos momentos disparatados.

Gracias a algún productor con mente fría, el metraje no supera las dos horas. Pienso que, si “Digger” tuviese el presupuesto, el equilibrio (entre locura y realidad) y la dimensión de Birdman, atraería las miradas de cinéfilos como para hacer de este proyecto algo viable.

Que la película que habla sobre el desastre de la civilización y sobre una catástrofe natural extraordinaria sea uno de los grandes desastres económicos de Hollywood en muchos años… resulta irónico. Lamentablemente, tardaremos en volver a ver una película de Iñárritu.

Viendo la película, como comenté en mi reseña, se me hacía difícil saber el presupuesto. La película media española cuesta alrededor de 3,4 M. El año pasado ya vimos un presupuesto inusual para un film nacional. El Cautivo (la de Cervantes, qué rápido se nos ha olvidado) costó cerca de 10 M: vendió 800 mil entradas, recaudando 5 M.

Resulta que la película de los Javis ha costado 14 millones (el récord lo mantiene Ágora, con 50). Y bien, ¿cómo se financia? Es una coproducción de España y Francia. Por el lado español está Suma Content (la productora de los directores), Movistar Plus+ (la adquiere tras estar en cines), El Deseo de Almodóvar, Atresmedia Cine (obligación de invertir un % en cine español) y el ICAA (aquí están las famosas ayudas que te llegan tras hacer el film, no antes). Por el lado francés está Le Pacte, que adelanta dinero comprando los derechos de distribución para Francia. Luego Elástica Films distribuye la cinta en salas españolas y se lleva un % de cada entrada vendida.

En mayo se estrenó con mucho éxito en el Festival de Cannes, donde más distribuidores pueden comprar derechos para sus países. Esta es la principal función de los festivales de cine. Goodfellas es quien se encarga de las ventas internacionales de este film.

En el mejor de los casos ocurre el caso Obsession. Obsession se produjo por 750 mil dólares. Focus Features la adquiere por 15 millones en el Festival de Toronto. Un año más tarde ha generado en la taquilla mundial 500 millones de dólares. Alucinante.

Sin embargo, Netflix ha podido encontrar un negocio casi tan jugoso en La bola negra. En Cannes, la empresa norteamericana compró los derechos para explotarla en Estados Unidos. Por eso, en España estará disponible en Movistar, no Netflix. Según medios especializados, Netflix habría pagado 5 millones y la ha convertido en su principal candidata para competir en los Oscar de 2027.

Esos 5 M son el punto de partida; el gigante del audiovisual va a hacer mucho por La bola negra, que beneficia a la producción y sus responsables. Estrenará en salas de USA durante 45 días antes de llegar a Netflix e invertirá millones en publicidad. ¿A qué premios apunta en los Oscar? Película, Película Internacional, Actores de reparto (¿Guitarrica, Penélope?), Guion, Dirección, Canción o Vestuario.

Esto hace que La bola negra no sea una película per se, sino una campaña de marca para Netflix. También sitúa a los Javis en posición de recibir ofertas hollywoodienses de gran calibre.

¿Y cuáles son los números del primer fin de semana? El mejor estreno desde Torrente 6, que a su vez era el mejor estreno de los últimos 10 años. Increíble. También es el 9.º mejor de cualquier cinta española (sin ajustar inflación, claro).

Esto se traduce en 600 mil espectadores y 4,7 M. La de Santiago Segura casi alcanza los 30 M. Veremos la de Javier Calvo y Javier Ambrossi.

Un ejemplo tonto. Si en salas se recaudan 100 €, el reparto es: 10 € de IVA, 2 € de derechos de autor, 45-55 € para los cines y 33-43 € para los distribuidores y productores.

Esa razón es la única que me explica qué hace Pitt en esta película, que se ha hecho con 3 actores, 5 euros y mucho efecto especial. También es posible que les hayan cortado el grifo en un momento dado del rodaje (según leo, ha habido telenovela. Lo cuento abajo). Tampoco me explico la calidad del film teniendo en cuenta que Damien Chazelle (Lalaland) está en la producción.

David Ayer es un guionista y director interesante. Su marca de la casa es traer un nivel de crudeza importante a ese Hollywood de fantasía imposible. Criado en una zona terriblemente pobre de Los Ángeles, destacó por su fabuloso guion en Training Day.

Tras ese film, fue haciendo películas de eso, de gente en barrios problemáticos. Escribiendo, escribiendo, acabó dirigiendo. Experimentó el Hollywood más cariñoso con el éxito de Fury: corazones de acero (2014). Fue una película celebrada por crítica y público y atrajo a muchos productores que querían añadir ese tapiz de "crudo" a sus franquicias. Así, Ayer acabó rodando Escuadrón suicida y pasando por la picadora de carne que es ese pueblo de California: los productores le quitaron la película para editar una versión más comercial.

Desde entonces ha estado haciendo películas enanas, pero tener a Brad Pitt de prota te da luz verde casi de inmediato. La premisa me interesaba mucho. Un ex de operaciones especiales perdido en Alaska debe sobrevivir solo con su perro.

Lo que me encontré es algo que solo resuena a oportunidad perdida. Pitt hace lo que puede, soltando risas forzadas aquí y allí, como en F1. Me encanta Pitt y tengo muchísimas ganas de Las aventuras de Cliff Booth, pero se nota cuando está tirando de la nada.

Al parecer, hay gente que llora con esta película, así que quizás este título sea tan irregular que hace falta tener un perro para no ver los defectos. Hay tanto efecto especial… En el último tercio hay algo increíble: se puede palpar que el cineasta no sabe adónde va, no sabe cómo terminar esta historia, da bandazos.

La foto del artículo me hizo salivar, el tráiler me dio la sensación de que era un film bastante inocente y tonto, pero ver la película a ratos me retorció. No pasa nada, a veces hay que ver películas que a sus responsables se les han ido de las manos.

El salseo: Según World of Reel, hubo conflicto entre Brad Pitt y el director debido al montaje. A Brad Pitt no le gustó el montaje final y propuso otro, supongo que a través de otro editor y con productores de la película que estuvieron de su lado. Al parecer, finalmente llegaron a un acuerdo con un montaje que tenía tonos de ambos.

Curiosamente, el actor que este año estrena Las aventuras de Cliff Booth acostumbra a discutir con algunos de sus directores debido al montaje final. Le ocurrió con James Gray y Ad Astra. El director dijo que el montaje que se estrenó no es su película y también ocurrió con el director de Guerra mundial Z. Pitt, como productor, estuvo involucrado en reescribir y volver a rodar el último acto de la película.

Suponemos que a Tarantino o a Fincher no les ha dicho nunca. Ya en cines.

Subtítulo

"Lo que me encontré es algo que solo resuena a oportunidad perdida. Pitt hace lo que puede, soltando risas forzadas aquí y allí, como en F1, pero se nota cuando está tirando de la nada."

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Brad Pitt y El corazón de la bestia: una película con David Ayer que sabe a oportunidad perdida

Descripción SEO

Brad Pitt protagoniza El corazón de la bestia, la nueva película de David Ayer, una historia de supervivencia en Alaska marcada por los efectos especiales y las polémicas sobre su montaje.

Ideas para título de columna

• Brad Pitt y su perro

• Brad Pitt tirando de la nada

• Un perro, Brad Pitt y 5 euros

• La bestia de la oportunidad perdida

12 años después, y estrellato de los Javis mediante, me equivocaba. Es cierto que el talento de estos dos guionistas y directores concede belleza, lírica y emoción a cualquier relato. Elevan cualquier material. Además, no solo han tenido un éxito descomunal, sino que, cuando les escuchas hablar, son dos personas inteligentes, serenas y leídas.

La bola negra es su segunda película tras La llamada, tras la cual se lanzaron a hacer series. Los creadores de la aún vigente Paquita Salas (Netflix no la suelta), Veneno (no la he visto aún) y La Mesías (increíble y cuánto bebe de Mysterious Skin).

Su talento es tal que han hecho una película de la Guerra Civil que escapa a análisis partidistas y no evoca lecturas solo circunscritas a la Guerra Civil española. Sus intereses son mayores: el horror, el capricho y lo azaroso de la guerra y el tema que cruza su filmografía: cuánto hacemos para negar quiénes somos.

El poderío visual y sonoro de La bola negra, especialmente en su inicio y su final, la convierte en un logro increíble e inclasificable respecto al resto de dramas de la Guerra Civil. Ahora, esa misma ambición que nos muestra unos planos totalmente alucinantes también la lleva a un metraje excesivo: 2:40.

La cinta sigue tres relatos, en 1932, 1937 y 2017, unidos por protagonistas homosexuales. En los dos primeros, su condición es lo que les genera conflicto y, en el tercero, vemos las consecuencias de ello. Es el relato de 1937 (un nacional custodia a un prisionero) el que más tiempo consume y el que más arrastra la cinta. Mientras, en 2017 vemos una historia con el protagonista que mueve la acción.

El componente homosexual que se encuentra tan presente nunca distrae de la película ni hace que la tomemos menos en serio. Por si se nos escapa el simbolismo de la estatua de San Sebastián del filme (icono gay), es así como los Javis llaman a su protagonista. No lo sé porque haya leído nada, sino por un vídeo famoso de Jiménez Losantos.

En este drama de hombres gays, son las mujeres las que hacen que me acerque a la pantalla. Desde Penélope Cruz —no hace papeles a su altura y aquí se ve— hasta Lola Dueñas, genial en 2017, con ese hijo con el que discute continuamente y con quien no opina igual sobre los mismos hechos vividos. ¿Nos suena de algo?

Aunque estoy seguro de que sus influencias son de nombres inteligibles, yo, en los momentos más álgidos del filme, muchas veces veía esos videoclips de C. Tangana y Rosalía que exudan ornamentos castizos; la música vibra y cada plano es evocador. La capacidad de este filme para sumergirnos en épocas pasadas sin que nada delate la mentira es increíble. Qué suerte no haber vivido la Guerra Civil ni la posguerra más inmediata.

El filme habla de Lorca, y todo lo que tiene que ver con el poeta es lo que arranca más emoción a la sala y lo que hace de esta película un homenaje sin precedentes. Ninguna biografía de Lorca podría crear más curiosidad que esta película, que solo toca al poeta de lado.

“Como no me he preocupado de nacer, no me preocupo de morir”. —Lorca

Una vez me salí de una proyección tras media hora viendo a un hombre asiático pelando fruta con un cuchillo. En otra, me salí porque no me estaba funcionando, eran las 12 de la noche y a las 08 del día siguiente tenía otra proyección.

Dicen que los festivales son el lugar más puro en el que ver cine, ya que uno no sabe qué esperar, no ha leído críticas y quizás ni siquiera hayan estrenado tráileres. Esto último lo pondría en cuestión. Cuando has visto 2 o 3 películas y te sientas a ver otra, resulta mucho más difícil maravillarte o emocionarte.

Yo no soy ningún apóstol, así que tengo cuidado con que ni el sueño ni el cansancio dicten la sentencia sobre el filme. Aquí os digo las 10 películas y 1 serie que pretendo ver. La selección la baso en aquellos títulos que ya estuvieron en Cannes y brillaron y en proyectos que me interesan que nadie aún ha visto, como El castillo.

La bola negra

La película española con más trascendencia internacional en años. Adquirida por Netflix y dirigida a los Oscar. Llega a los cines españoles el 25 de septiembre.

Minotauro

Las críticas de Cannes fueron tan soberbias que no me la puedo perder. Rusia, 2022. Gleb, un exitoso hombre de negocios, se ve acosado por las crecientes presiones empresariales y por un mundo cada vez más inestable. Su vida, tan cuidadosamente ordenada, amenaza con desmoronarse y arrastrarle al colapso.

Fatherland

Del director de Cold War y la actriz de Anatomía de una caída, nos llega un filme que arrolló en Cannes. En el apogeo de la Guerra Fría, y tras regresar a casa tras dieciséis años de exilio en Estados Unidos, Mann y su hija emprenden un desafiante y emotivo viaje por carretera atravesando una patria dividida.

Hope

A veces, basta con una de tiros y aliens. Y si también están Michael Fassbender, su mujer Alicia Vikander y es una producción coreana, pues a disfrutar.

Karateka

No sé nada de la atleta Sandra Sánchez, pero me encantan los biopics y, si encima son de artes marciales, pues mejor. Además, el tráiler tiene buena pinta.

El corazón de la bestia

El director de Fury y su actor protagonista, Brad Pitt, se reúnen para contar una historia de supervivencia de un exsoldado y su perro. La propuesta me encanta, pero las imágenes que ya hemos visto tienen exceso de efectos especiales y sensiblería. ¡Veremos!

Si te gustó Los domingos, esta es como la película de Alauda Ruiz de Azúa, pero con esteroides. Esto es lo que escuché del filme noruego.

Cuando la adolescente Elia Gheorghiu aparece en el colegio con algunos moratones en el cuerpo, la comunidad se pregunta si la educación tradicional que los padres imparten a sus hijos tendrá algo que ver con ello.

Tres anuncios en las afueras es para mí una de las mejores películas del siglo. Así que estoy deseando ver lo nuevo de su director, Martin McDonagh. Sobre todo, porque su anterior filme, Almas en pena, que llegó a los Oscar, me decepcionó bastante.

Poco antes del golpe de Estado chileno de 1973, los agentes de la CIA Chris (John Malkovich) y Lee (Sam Rockwell) son enviados a la Isla de Pascua por su jefe (Steve Buscemi).

Club Kid

Otra cinta que ha estado maravillando por donde ha pasado es esta comedia/drama del dueño de un club nocturno que, de la noche a la mañana, descubre que tiene un hijo. Argumento visto antes en otras películas, pero, según leo, parece hecha con una sensibilidad especial.

El castillo

Los clubes de alterne se encuentran por todo el país escondidos a simple vista. Sobre este drama, la guionista habitual de Rodrigo Sorogoyen (Antidisturbios, As Bestas) escribe y dirige esta serie de Movistar. Raúl Arévalo está irreconocible con ese look que recuerda a Kordo, el ayudante de José Luis Ábalos.

Ser tan prolífico sí parece dañar la calidad de sus películas. Scott cuenta con 30 películas: 5 obras maestras (Los duelistas, Alien, Blade Runner, Thelma & Louise y Gladiator) y algunas a reivindicar (El reino de los cielos o El consejero).

Su último estreno, La constelación del perro, es su peor título en recaudación. La crítica la ha vapuleado suavemente. No hay nada terrible en ella, simplemente no les ha llevado a ningún lado. Esto me hace sospechar que no es para tanto, así que le echaré un vistazo. La tenéis en Itaroa, La Morea y Baiona.

Junto a este título, Scott acumula 7 fracasos en taquilla, todos ellos de superproducciones. Su último éxito fue Marte, con Matt Damon plantando patatas en el planeta rojo (sí me gusta El último duelo). Da la sensación de que, si Scott no cuenta con un guion sobresaliente, su magnífico estilo visual y gran elenco no compensan.

La debilidad de Napoleón (2023) fue especialmente dolorosa, ya que nunca tuve fe en Gladiator II. Afortunadamente, en su próxima tiene al guionista de Adolescencia.

Es tan rápido que, cuando su nueva película no funciona, ya tiene otra en camino. Por supuesto, imagino que su productora Scott Free asume muchas de las pérdidas, pero su distribuidor 20th Century Fox (Disney) no parece cansado de sus derrotas.

Durante la promoción de La constelación… ya ha anunciado que en noviembre rodará La isla del tesoro con Hugh Jackman. Será mi próxima lectura. Incluso también ha hablado de la siguiente, una película sobre un gran fondo de inversión con Matthew Rhys.

Ridley Scott gives an update on his "Treasure Island" adaption to Pathé Wepler.

In another interview, Scott reportedly said that "Treasure Island" could be the highest budget film of his career before accounting for tax incentives and subsidies. pic.twitter.com/fyWpp06COp

— The Ridley Scott Archives (@RidleyScottArch) September 4, 2026

Pero entonces, ¿cómo lo hace? Por un lado, Scott Free fue fundada en los 80 y recibirá mucho dinero al año solo en distribución a plataformas, TV, derechos para secuelas… etc. Por otro lado, el prestigio del cineasta para estudios o financiadores privados será muy alto (mírese el caso de El lobo de Wall Street).

Su carrera es tan larga que los fracasos recientes no minimizan que sea alguien que lleva casi 50 años haciendo películas y, de vez en cuando, consigue un Gladiator, Marte o Alien.

Hace poco, en una entrevista, dijo: “Studios trust me”. Probablemente hace referencia a que entrega sus películas en plazo y sin salirse de presupuesto. Sabe rodar algo de 200 millones sin que acabe en tragedia. Tiene fama de terminar rápido las jornadas, rueda con 5 cámaras al mismo tiempo, de forma que no tenga que repetir.

Uno podría preguntarse: ¿por qué Hollywood sigue confiando en Ridley Scott? Pero parece que a Scott se le acabará la vida antes que las películas de 200 millones. El director inglés es una paradoja: es simultáneamente un director comercialmente poco fiable y una apuesta empresarial atractiva.

Otra ironía fantástica en todo esto: Ridley Scott sobrevivió a fracasos mucho antes de convertirse en Ridley Scott. Blade Runner (1982) fue inicialmente un fracaso comercial y acabó convirtiéndose en una de las películas más influyentes de la historia.

Así que Hollywood probablemente no está viendo a un anciano director al que inexplicablemente siguen regalando dinero. Está viendo a uno de los directores que construyeron buena parte del cine comercial moderno, que todavía es capaz de levantar una superproducción y que quizá todavía tenga un Alien dentro (guiño, guiño).

Tras trabajar en series baratas, se estrena con Stockholm, pega un salto con Que Dios nos perdone (qué buen thriller y qué buenos personajes), es nominado al Óscar con el corto Madre, rueda la mejor película sobre una de nuestras áreas de experiencia: la corrupción en El reino. Prueba y experimenta con el largometraje Madre. En 2020 rueda una de las top 5 mejores series españolas o recientes de cualquier país: Antidisturbios. Y, tras rodar episodios sueltos de series, gana los Goya por As bestas.

Todo ello, acompañado de su magnífica coguionista Isabel Peña (estrena ahora una serie sobre burdeles en España que estoy deseando ver). La siguiente película a ganar cualquier premio relevante es complicada. Sorogoyen opta por dejar a un lado sus marcas más explícitas: el elemento de thriller y los planos secuencia de tensión.

Sinopsis: el director de cine Esteban Martínez (Bardem) es una leyenda tanto por sus películas como por su violencia. En su nuevo proyecto, le ofrece un papel a su hija Emilia (Luengo) con el pretexto de ayudarla a relanzar su carrera como actriz.

Aquí cuenta un drama entretenido, equilibrado y sin suspense, pero sin el tono extraño de Madre. Esta vez no nos hace sufrir de tensión. Es un drama sereno sobre el rol del director, las relaciones paternas, los diferentes relatos de los mismos hechos y la incapacidad de pedir perdón.

En nuestra sociedad hay mucha verborrea sobre salud mental, pero ¿qué haces con alguien como el personaje de Bardem? Es alguien que ha aprendido a ocultar su soberbia, obsesión, juicios y un carácter que simplemente explota cada cierto tiempo. No es un malo constante, pero te hará sentir inferior cada cierto tiempo. Me recuerda a algún jefe.

Bardem está muy bien. Especialmente, con una primera escena buenísima, lo digo para que no lleguéis tarde. Le escuchaba a Alsina decir que era «la mejor interpretación de Bardem»; otros, que está «descomunal». Mmmm, no lo creo. Es un señor que tiene Mar adentro, El buen patrón, Antes que anochezca o No es país para viejos en su CV.

Sí, creo que está muy bien y se agradece la ausencia de pelucas y prótesis. Su capacidad para resultar magnético, cómico, intimidante, avergonzado y manipulador sin nunca sobreactuar es bastante increíble.

Las actuaciones, el guion y la autenticidad que le da Sorogoyen a todo lo que toca elevan un guion sereno, tranquilo, que huye del drama del cine para intentar parecerse más a la intrascendencia de la vida real. Desde esos viajes de furgoneta a la vuelta del rodaje, conversaciones de sobremesa o simplemente mostrarme a alguien borracho sin las exageraciones habituales consiguen que me evada de que es martes, si Bardem me cae bien o no, de la situación de Ceuta o de si ya se ha acabado el verano.

Esta película compitió en Cannes, pero no ganó, mientras sí lo hizo otra española, la de los Javis: La bola negra, la cual se estrena a finales de mes, ha sido adquirida por Netflix y obtendrá un campañón de cara a los Óscar. Todo esto y las grandes críticas que ya tuvo en Cannes justifican mi entradilla.

Mientras esperamos el estreno de la nueva película de Rodrigo Sorogoyen el próximo miércoles, todos los cinéfilos estamos haciendo el calendario para este otoño. Veo buenas noticias, como que distribuidoras pequeñas se han movido rápido para que títulos de tamaño medio con muy buena pinta lleguen rápido, como The Weight.

Mientras, otras pelis con muy buena pinta parece que se van a quedar en el limbo, como Primetime. Increíble el tráiler de esta última, por cierto.

Resident Evil - 18 de septiembre

¿Una de zombis? Sí, imagino que no es la película ideal que podrías querer ver. Yo tampoco. ¿Qué ocurre? Que está dirigida por Zach Cregger, el responsable de una de las mayores sensaciones originales recientes, Weapons. Con un presupuesto de 40 M y un buen guion, atrajo más de 200 millones en recaudación.

Por eso, y por el tráiler, me interesa. No tanto por los zombis o porque haya jugado nunca al videojuego en el que se basa. Los que la han visto la describen como Mad Max mezclada con el género de terror.

La bola negra - 25 de septiembre

La carrera de los Javis ha sido un cohete al espacio continuo. Todo lo que han hecho ha superado todas las expectativas. Desde su obra de teatro (La Llamada), su webserie (Paquita Salas) y sus series (Veneno y La Mesías).

Su segunda película ya lo ha hecho, no solo yendo a Cannes o ganando Mejor Director, sino ya sonando para tener presencia en los Oscar de 2027.

Digger - 2 de octubre

Warner Bros. lleva tomando decisiones arriesgadas en sus películas varios años. Hasta ahora, han salido a cuenta con Sinners o Una batalla tras otra. Digger es otro ejemplo de ello, dando 200 M a Alejandro Iñárritu (El renacido) para hacer una comedia al estilo ¿Teléfono rojo? con un Tom Cruise desatado. Esperemos que esta comedia sepa tomarse en serio y no solo sea un pastiche continuo.

El precio de la red - 9 de octubre

La red social, de 2010, escrita por Aaron Sorkin y dirigida por David Fincher, es una de mis películas preferidas. Debería estar como loco por esta secuela si no fuera porque no vuelve Fincher y Aaron Sorkin dirige. Como director, Sorkin suele ser algo maniqueo y no cuenta con el dinamismo, la profundidad e inteligencia de Fincher. Por favor, ¡que sea buena!

The Uprising - 30 de octubre

Paul Greengrass, el flamante director de las dos películas más celebradas de Bourne o Capitán Phillips, ha quedado algo olvidado los últimos años. Quizás se deba a que sus últimos trabajos han sido una película de Bourne fallida en 2016 y dos buenas películas, pero hechas para streamers (Netflix y Apple).

The Uprising irá a cines y cuenta una historia de rebelión: en la Inglaterra del siglo XIV, asolada por la peste, un campesino desencadena una rebelión contra el rey Ricardo II y se convierte involuntariamente en una leyenda de la resistencia.

Karateka - 30 de octubre

Muy buena pinta el tráiler de Karateka. El cine español lleva un tiempo cubriendo un subgénero poco filmado en nuestro territorio: el de los deportistas de élite. Hace poco hicieron 42 segundos, sobre Pedro G. Aguado, o El gran salto, sobre Gervasio Deferr.

Esta vez es la historia de Sandra Sánchez, la mujer que llegó a convertirse en la mejor karateka de todos los tiempos.

Las aventuras de Cliff Booth - 25 de noviembre

Cruzo los dedos para que esta película se estrene cuando debe. Las últimas semanas han estado haciendo reshoots (regrabaciones) de esta película, secuela de Érase una vez en Hollywood, escrita por Tarantino y rodada por Fincher (Seven).

Está producida por Netflix, lamentablemente, así que cruzaremos los dedos también para poder verla en cines. En cualquier caso, nada me quitará las ganas de verla. ¿Quién sabe si volveremos a ver un nuevo guion de Tarantino?

El director - 27 de noviembre

Contento también de que el cine español cuente una historia, creo que nada facilona, como la del que fue director de El Mundo, David Jiménez (2015-16). Jiménez acabaría despedido, pero también escribiendo un libro y haciendo un pódcast de éxito. Muy buena pinta el tráiler:

The Weight - 11 de diciembre

Las imágenes que he visto me han gustado tanto que no quiero saber más: Ethan Hawke escapándose de una prisión dirigida por Russell Crowe, con un tono muy similar a El salario del miedo o Carga maldita. ¡Más películas así!

Dune - 18 de diciembre

Justo acabo de ver Lawrence de Arabia, cinta fundamental para el cine en general, pero en concreto para el libro Dune y las películas: a nivel estético (hay planos calcados) y narrativo. Me da que la segunda mitad de Lawrence… será lo que veamos en la tercera de Dune: ese líder caído que fracasa a pesar de su victoria. Máxima expectación.

Estaba este verano viendo por primera vez la trilogía de Matrix (cuando sale más barato perder el tiempo) y es muy interesante por varios motivos. Primero, por ver una trilogía que empieza como obra maestra y poco a poco se va al garete. Es difícil hurgar en el porqué del declive, ya que utiliza los mismos elementos que una trilogía exitosa como El señor de los anillos: elementos del bien y del mal, objetivo claro, ampliar el universo, nuevos personajes, distintos protagonistas se sacrifican…

Llama la atención ver una producción hija de su tiempo, de los inicios de los 2000. Tras el fenómeno que fue Matrix en 1999, Warner se puso en marcha para producir dos más. Tal era la confianza en ella que las rodaron seguidas o, como dicen en inglés, back to back, para estrenar las dos secuelas en 2003 (un trabajo titánico). El fenómeno cultural fue tal que yo conocí esta saga por las parodias del programa Cruz y raya.

Ocurrió lo mismo con Piratas del Caribe (2003). Disney le hizo rodar a Verbinski las dos secuelas seguidas, a estrenar en 2006 y 2007. La franquicia de corsarios se fue derritiendo igual que la del programa informático, terminando ambas con su peor entrega. En este último caso, mi preferida es la 2.ª, El cofre del hombre muerto.

¡Puñeta!

Tan difíciles son las secuelas que incluso tres de los grandes directores del cine que se han acercado a las sagas han fracasado en sus cierres. Tanto Spielberg, con las dos de Parque Jurásico y produciendo el resto, como Christopher Nolan, con la saga de El caballero oscuro, o Coppola, con El Padrino.

El esquema de Spielberg es más sencillo: toca el cielo con la primera y después todo se desmorona. Coppola y Nolan rompieron moldes con segundas entregas que, si no igualaban, superaban a la original. Para luego tropezar en la tercera parte. Otras nacen muertas (en lo creativo, no en lo comercial): El hobbit o Jurassic World.

Este año se cierra otra trilogía reciente: Dune. Si tuviera que mojarme, diría que su director, Denis Villeneuve, se mueve en la cuerda floja porque, igual que Coppola o Nolan, ya nos ha desafiado haciendo un «segundas partes fueron mejores» con Dune: Parte Dos. El 18 de diciembre estrena Dune: Parte Tres antes de ponerse con la nueva entrega de 007.

Villeneuve se encuentra en una posición parecida a Nolan con la 3.ª de El caballero oscuro, de «este hombre no falla nunca». He conseguido no ver tráilers y solo hasta hace poco no me planteé que: «Oye, ¿y si es una mierda?».

Pues tendremos que aguantar otro cierre de trilogía excesiva, con atajos y menos caracterización (son los lugares comunes en cierres desafortunados). ¡Veremos! Y, para terminar, trilogías que creo que terminan en su punto más álgido del siglo XXI: Harry Potter: El prisionero de Azkaban, El ultimátum de Bourne, 007: Skyfall, La guerra del planeta de los simios, Capitán América: Civil War y Thor: Ragnarok.

¿Cuáles son las propuestas más potentes del año? ¿Las que más dinero han hecho? Pues vemos animación (Toy Story 5), películas arriesgadas hechas por veinteañeros con ideas originales (Backrooms, Obsession) y con formas de rodar tradicionales, con un estudio que les apoya, y, por último: películas de Hollywood de la vieja escuela.

Digo vieja escuela por varios motivos. La Odisea, Spider-Man o lo que veremos en diciembre con Dune: Parte Tres son propuestas que nunca saldrían de una plataforma de streaming. Lo han intentado y no saben hacerlas bien o rentabilizar películas así de grandes, con costes de 150-250 M (The Gray Man).

Por otro lado, parte del marketing de una cinta empieza a ser cómo se rodaron ciertas escenas, qué dificultades supuso rodar en localizaciones reales, cómo les afectó a los actores estar 4 meses fuera de casa y estar rodando en Islandia, por ejemplo.

Esta estrategia de ir a contracorriente con la versión del cine más auténtica y más alejada de ver cine en casa ya sucedió hace casi 80 años. En los 50, a medida que el estadounidense medio iba adquiriendo una TV en casa, los estudios enloquecieron. Así se lanzaron, arriesgando mucho dinero, a ofrecer imágenes que no podían verse en televisión.

Dado que el formato de TV era cuadrado, Hollywood se dedicó a crear un formato panorámico, con fotogramas el doble de anchos que altos, llamado CinemaScope. Más tarde lo volverían a hacer con el Technicolor; en este siglo lo vimos con el fallido 3D y, poco a poco, el formato premium que se ha ido consolidando es IMAX. En este vídeo se explica en qué consiste:

Antes de cada pase de @odysseymovie en #70mm en los @cinesabc, @nenitoplux y yo hacemos una pequeña presentación explicando el contexto del formato y por qué verla en fotoquímico. Esto es lo que decimos ⬇️⬇️⬇️ pic.twitter.com/WqqJ3EcG7j

— Yuri Aguilar .•. (@sryuriaguilar) July 25, 2026

IMAX es una tecnología que empieza con sus cámaras gigantescas y termina en salas especiales. Sus cámaras son las que tienen mayor resolución y sus cines son los de mayor calidad que existen, tanto por comodidad de asientos como por calidad de sonido y calidad de imagen.

Ojo, en los IMAX se proyectan muchas películas. No solo rodadas en IMAX, ya que solo unos pocos ruedan así, como Christopher Nolan (lleva rodando así desde El caballero oscuro, 2008) o Ryan Coogler (Pecadores).

En España hay pocos, solo en Barcelona, Madrid, Mallorca, Málaga y Valencia. Curiosamente, en la promoción de La Odisea se ha insistido tanto en la tecnología IMAX que ha llegado hasta mis amigos menos cinéfilos. Han conseguido transmitir la idea de que hay que intentar verla en el mejor cine que puedas. Desde el COVID, los cines IMAX cada vez suponen un mayor porcentaje de la recaudación total (las entradas también son más caras) de las grandes películas.

Creo, y esto es una suposición, que, dado que el hábito de ir al cine ha caído, cuando se va, se quiere ir al mejor posible. Y ahí creo que es donde los estudios y las cadenas de exhibición deben centrarse: que el espectador sienta la brecha de calidad entre una película en su casa y una en un cine.

Hay otro aspecto intangible del cine y es que, aunque las televisiones cada vez son mejores, vienen con algunos retos. Parar la película varias veces para ir al baño, porque te llaman, porque llega el pedido a domicilio o simplemente viéndola sin interés porque estás con el móvil en la mano. Y todo esto si consigues terminarla porque no la has cambiado a los 10 minutos porque no te convencía el título.

El carisma de Holland (Lo imposible, La Odisea) como Peter Parker rompe cualquier medidor. Simplemente, nadie lo ha hecho mejor: es magnético desde el minuto 1. Aun así, siempre me había parecido que sus pelis eran algo flojas.

La primera tenía más encanto (2017), la segunda fue algo bochornosa (2019) y la tercera salvó a los cines con más de 2.000 millones tras la pandemia (2021). Esta última tenía un final muy bueno, pero la película se sostenía sobre varios cameos de otras pelis.

Sinopsis: Han pasado cuatro años desde los acontecimientos de No Way Home y Peter Parker ahora es un adulto que vive completamente solo y ha desaparecido voluntariamente de las vidas y los recuerdos de quienes ama.

Ahora, con un nuevo director y guionista, la película ha recuperado mi interés. Primero, luce mejor que la mayoría de las películas del mundo Marvel. Huye de la estética de todo perfectamente iluminado y soleado. Abundan los contrastes, los días nublados y, por lo general, vemos localizaciones reales.

Pero es que, además, el guion fluye con una facilidad inaudita en esta saga que tiene que hacer 17 cosas al mismo tiempo. Empieza especialmente bien porque se centra en el protagonista y nada más, y en cómo ha encontrado una solución parche a su situación: si me mantengo aislado y solo me dedico a ser Spider-Man, todo estará bien.

Los personajes y las tramas satélites funcionan muy bien dentro del arco que recorre Spider-Man en esta película. Todo encaja sorprendentemente bien. Ayuda que el humor infantil esté reducido y que el que hay funcione muy bien. Toda la trama de Spider-Man y MJ (Zendaya) se sigue con mucho interés y funciona mejor que en ninguna entrega anterior.

Por supuesto, estas pelis están a años luz de la emoción, la cinematografía o el guion de las películas de Sam Raimi de principios del siglo. Esas películas no tenían miedo de hacer crecer a Peter Parker. Aquí, Tom Holland, creo, le saca unos 6 años a Peter Parker. Por cierto, de qué vive el personaje es algo que no se menciona.

Un amigo me decía hace poco: “Si no es tan difícil, solo tienen que bajarlo a la realidad y poner villanos sin poderes”. Primero, cuando tienes una franquicia cuya última película hizo 2.000 millones, nada es fácil, porque quieren que hagas la película con menos riesgos del mundo. Además, Marvel te pone peajes o migas en tu guion para que el film anticipe próximos films. Por suerte, ese peaje está muy bien introducido en esta historia.

Entonces, que, entre toda esa maraña, el director (Destin Cretton) haya conseguido contar una historia íntima con cierto mensaje, con buenas escenas de acción —dentro de las expectativas de Marvel, por supuesto—, emoción y que no parezca que solo vienen a embolsarse mil millones es de agradecer.

Es fácil decir que es la película de Marvel que más me ha gustado desde Endgame (2019). No hay mucho donde elegir. En cuanto a las pelis de Spider-Man —hay 11—, la pondría a mitad de tabla. Puesto 5 o 6. Y, en el ranking del año, n.º 7.

En verano suele ser el mejor momento para engancharse a una buena serie o a una buena novela. También es verdad que no siempre es fácil: te recomiendan, a veces, series que son eternas o conocidas, que ya intentaste ver y dejaste.

En el panorama de la ficción norteamericana hay y ha habido mucha oferta que ahora las plataformas de streaming están rescatando con calidad remasterizada y temporadas completas.

Por eso, es posible que la que ha recomendado el autor de Alatriste ni siquiera te suene: se trata de Southland, disponible en Netflix:

Southland: una "Canción triste de Hill Street", pero de ahora.
Voy por la mitad de la quinta temporada y me sigue gustando mucho. pic.twitter.com/ZwwYiW5E56

— Arturo Pérez-Reverte (@perezreverte) July 1, 2026

Southland ofrece una nueva mirada al Departamento de Policía de Los Ángeles. John Cooper (Michael Cudlitz) es un veterano policía asignado a entrenar al novato Ben Sherman (Ben McKenzie). La actitud de Cooper frente al trabajo dejará a Sherman cuestionándose si tiene o no lo necesario para convertirse en un agente del Departamento de Policía de Los Ángeles.

La dinámica veterano-novato la hemos visto antes, pero, cuando se hace bien, no se quiere otra cosa. La ficción tiene 5 temporadas y 43 episodios. Si 5 temporadas te parecen mucho, mira lo que dice Reverte: «Voy por la mitad de la 5.ª temporada y me sigue gustando mucho». Cuenta con la ganadora del Óscar Regina King y el famoso actor de The O.C. o Gotham, Ben McKenzie. Aquí os dejo el tráiler; no lo he encontrado en español:

Fue aclamada por la crítica a lo largo de toda su trayectoria en NBC y ahora está disponible en Netflix. Su creadora y guionista, Ann Biderman, ha trabajado en películas míticas de los 90 como Copycat o Las dos caras de la verdad y en éxitos televisivos como Ray Donovan.

«Tiene más profundidad que la mayoría de series de policías y cuenta con personajes complejos y creíbles, por no hablar de la excelente actuación de Lucy Liu». Sarah Hughes, The Guardian.

«Es lo suficientemente inteligente para saber que una serie policial no puede salir adelante sin un buen puñado de personajes bien desarrollados». Josh Modell, AV Club.

Cuando Reverte la compara con Canción triste de Hill Street (1981), la está poniendo a un nivel muy alto. Canción triste… fue una serie revolucionaria que cambió los límites de la televisión en cuanto a dinamismo de cámara, personajes complejos o continuidad entre episodios: «Tengan cuidado ahí fuera».

La Odisea, su película n.º 13, ya está en cines. Las previsiones apuntan a que destrozará la taquilla aún más de lo que lo hizo Oppenheimer (975 M). Concretamente, solo para su primer fin de semana, se calculan unos 250 M en todo el mundo.

Nolan podría tener de protagonista a un desconocido y daría igual. Solo ha tenido éxitos absolutos y una película tímida en taquilla: El truco final (2006). Una cinta que, según Rodrigo Cortés, hizo que el cineasta reaccionara de forma opuesta.

"Las películas de Nolan no solo son buenas, sino que parecen buenas. Hay algo en ellas, en sentirte interpelado, que te hace sentir inteligente. Nolan está en la liga de los 200 millones: le tiene que gustar al del chándal y a la maestra".

Respecto al sitio que ocupa La Odisea en este ranking, para mí ocupa el 6.º puesto. Por delante de El truco final e Interstellar.

5. Dunkerque (2017)

Sinopsis: En plena Segunda Guerra Mundial, en las playas de Dunkerque, cientos de miles de soldados de las tropas británicas se encuentran rodeados por el avance del ejército alemán, que ha invadido Francia.

No es la más emocional, pero sí creo que es un Nolan que no se esconde tras la verborrea o la ciencia ficción. Es su película más "cine": se vale menos del diálogo y más del sonido, la imagen y el montaje. En cada nuevo visionado me gusta más; la calidad de la imagen es exquisita.

Disponible: Netflix, Movistar, Prime

4. Oppenheimer (2023)

Sinopsis: El brillante físico estadounidense Julius Robert Oppenheimer, al frente del "Proyecto Manhattan", lidera los ensayos nucleares para construir la bomba atómica.

Igual que con Dunkerque, no tuve el mejor primer visionado, pero ahora me parece una máquina del estímulo. Un film con continuos montajes musicales, como si se tratara de Forrest Gump. Nunca una película suya ha sido más de despachos ni se ha movido más rápido.

Disponible: Prime

3. El caballero oscuro (2008)

Sinopsis: Batman (Christian Bale) regresa para continuar su guerra contra el crimen.

¿Es una de mis películas favoritas? Sí, pero es que tenía 12 años cuando la vi. Aun así, su vigencia es más que palpable. Cambió el cine de superhéroes en Hollywood para la próxima década y, encima, es un thriller criminal soberbio con ecos de Heat y Seven.

Disponible: Netflix, Movistar, HBO, Prime

2. Origen (2010)

Sinopsis: Dom (DiCaprio) es un experto en el arte de apropiarse, durante el sueño, de los secretos del subconsciente ajeno.

Su mejor película una vez que ya contaba con un presupuesto comercial. Su guion más imaginativo, pero, a la vez, más emocional. La banda sonora es la mejor de esta colaboración Nolan & Zimmer. Fue este film imposible, sobre sueños y con un coste de más de 160 M, el que maravilló a crítica y público y confirmó que estábamos ante el Spielberg del siglo XXI.

Disponible: Movistar, HBO y Prime

1. Memento (2000)

Sinopsis: La memoria de Leonard está irreversiblemente dañada debido a un golpe en la cabeza. Así pues, para investigar y vengar el asesinato de su esposa, tiene que recurrir a la ayuda de una cámara instantánea y a las notas tatuadas en su cuerpo.

Hay algo increíble en ver a un genio teniendo que estirar su intelecto para compensar la carencia de recursos. Hace unos meses volví a ver Memento en un cine. Sala llena: nadie se fue al baño, nadie se movió sobre su butaca.

Hacer algo complejo y que parezca natural es muy difícil, como han podido comprobar todos los que han querido copiarle. La pérfida estructura funciona porque va unida al camino del protagonista y al montaje. Están unidos desde su concepción.

No tengo duda de que quizás Nolan nunca supere Memento. Aquí se atrevió a un nivel de tragedia muy humana y nada sádica que la hace eterna. Su resolución duele siempre.

Disponible: Movistar, HBO, Prime, Filmin

Todo esto es tan interesante como que el director inglés ya había adaptado La Odisea, solo que no directamente. Incontables veces, sus protagonistas tienen que recorrer laberintos para llegar a sus seres queridos. A veces, laberintos de recuerdos (Memento), oníricos (Origen) o galácticos (Interstellar).

La Odisea de Nolan se estrena hoy y es tan épica que es difícil de digerir. No todo en ella funciona, pero se acerca mucho. Tengo la sensación de que su inicio es donde está su mayor fuerza. Echo de menos el virtuosismo de montaje, guion y música de Oppenheimer y no diría que esté en el top de Nolan. Sin embargo, ningún defecto la aleja de ser una auténtica proeza de adaptación cinematográfica.

Tenía 7 años cuando vi Troya (2004) en un cine de verano. Me encantó todo en ella y, por supuesto, lo que la acompañaba: ese mundo de los dioses griegos y sus mitos. Y me llevó a conocer esa segunda parte que decidieron no hacer, llamada La Odisea.

No se ha hecho en Hollywood desde entonces y no me extraña. Es un rodaje duro: es difícil lidiar con todo lo fantástico, contarlo todo en una película y conseguir que el viaje en barco de Ulises no se vuelva pesado. Hasta Kubrick rodó una y todavía pensamos en ella. Es el tipo de producción que puede acabar con un director consolidado.

Si alguien podía hacerlo, era Nolan, cuyo montaje de Oppenheimer le valió un Óscar muy merecido: ¡qué rápido y qué bien se mueve esa película! Ulises, igual que el propio Oppenheimer, vive con el peso de las consecuencias de su idea. Ambas —bomba y caballo— son desarrolladas para detener la guerra, pero no sin cobrarse víctimas. De eso va esta Odisea: del precio de la violencia.

El director y guionista no es especialmente político ni propagandista, pero sí vemos en sus últimos cuatro filmes un intento por escapar de la locura bélica, ya sea en las playas de Dunkerque, en una guerra cuántica, impidiendo que los alemanes desarrollen una bomba atómica o evitando que la barbarie de Troya se lleve consigo a la civilización occidental.

Las ganas estaban, sobre todo tras una mitad de año de cine floja. Mi sensación es confusa: hay mucho que me ha gustado, pero echo de menos cosas y me sobra alguna aventura.

El primer tercio, de maravilla —empieza a mil por hora—; me gusta el tercer tercio y es en el segundo donde encuentro algún meandro y donde la cinta no va por delante de nosotros. Curiosamente, algunas de las escenas que más me han gustado corresponden a aspectos que Homero nos narra en su historia, pero no explícitamente, y aquí sí.

Al ser una historia tan larga, es difícil no juzgarla por su final, al que veo algo carente de emoción o revelación. ¿Quizás un encuentro con Laertes lo habría solucionado?

Sin embargo, hay mucho con lo que deleitarse en esta producción de más de 200 millones: los imaginativos efectos prácticos que emplea para mostrarnos los aspectos más fantásticos sin recurrir a efectos especiales. Algo tan sencillo como ver a tanta gente arrastrar al caballo… Nos estimula, acostumbrados como estamos a ver tanto efecto digital. Todo lo que vemos de lo ocurrido en Troya es oro.

Me encanta cuánto ha ganado el cine de Christopher Nolan desde que, en 2014, contó con Hoyte van Hoytema como director de fotografía. Sus imágenes tienen un color y evocan más simbolismo que nunca.

Me gusta cómo el guion y los actores consiguen mantener más interesante lo que sucede en Ítaca que en la flota de Ulises. En otras adaptaciones, suele ser un espacio más estanco donde Penélope y Telémaco no terminan de tomar decisiones.

No es perfecta ni está en la cúspide de Nolan, pero es una proeza con muchas cualidades. Ahora, tengo que decir que algunas de las pelis de Nolan a las que más estoy volviendo (Dunkerque u Oppenheimer) no me maravillaron en su momento. Sus carencias hacen que la historia de Homero sea un lugar al que querer volver.

Sinopsis: El anhelo romántico de un chico por su amor platónico de toda la vida desencadena un siniestro hechizo: Niki se vuelve irracionalmente obsesiva. Una fantasía que se convertirá en una perturbadora pesadilla. Disponible en Baiona, La Morea e Itaroa.

Entre el increíble mantenimiento y su sencilla premisa (a su director se le ocurrió viendo un capítulo de Los Simpson, 3x07), imaginaba que el film debía desarrollarse de una forma fascinante. Si no, su tremendo éxito resultaba difícil de entender.

Y el domingo lo confirmé. La tensión, una vez la premisa se asienta, es constante. Viéndola estás deseando que se haga de día porque cada vez que llega la noche, la obsesiva Nikki da mucho miedo. La actriz (Inde Navarrette) es muy buena y el guion le da cosas muy inquietantes que hacer. Ella es el corazón y el terror de la cinta al mismo tiempo. Baker la mantiene en silueta de una forma aterradora.

Para lo barata que es, luce muy bien, usando muy poco espacio en foco. Esto hace que nunca veamos sus limitados recursos. Es increíble con qué poco la película consigue transmitirte la sensación de que algo terrible puede suceder en cualquier momento. Ambos aspectos se ven en esta escena:

La sala estaba llena y, aun así, reconozco que cerré los ojos en varias ocasiones deseando que el susto sucediese cuanto antes. Su director y guionista de 26 años, Curry Baker, ha escrito un guion muy efectivo y no tiene miedo a un protagonista con muchos grises.

Como la película explora personajes arquetípicos y dinámicas entre jóvenes, hay demasiado de lo que hablar. Pero sí conviene mencionar el elemento “pide un deseo” como artefacto para que algo haga el trabajo sucio por ti. Bear no se atreve a declarar su amor por Nikki, así que pide un deseo. Esto puede trasladarse a nuestras vidas en forma de mentiras, de usar demasiado la IA o ese concepto “moderno” de “manifestar”.

La película, que contiene momentos de terror y gore, tiene humor. Y aunque se ríe de “mira qué loca la novia tóxica”, no la etiqueto de misógina. Primero, porque es provocado por un artefacto que concede deseos (ciencia ficción) y porque mantiene una gran distancia con su, claramente inestable, protagonista.

Se coloca con mucha facilidad en el top 3 de lo que llevamos de año, tras Marty Supreme y The Drama.

Spoilers: Como decía, el film no tiene problema en que la audiencia mire al protagonista con distancia porque es un personaje egoísta, cobarde y aprovechado.

Cualquier duda sobre el posicionamiento de su autor se resuelve en la siguiente escena:

Bear comprende que Nikki hará lo que él diga y cree que puede controlar la situación, así que, tras una inquietante discusión en el restaurante, se van a casa y tienen relaciones. La música y cómo está reaccionando Nikki dejan claro que todo en esa situación está terriblemente mal. Bear se está aprovechando y la verdadera Nikki está siendo abusada.

Las proezas de Steven Spielberg son infinitas. Hollywood vio un mundo nuevo de rentabilidad tras el éxito de Tiburón (1975), revolucionó los efectos especiales con Parque Jurásico, creó la categoría de +13 por lo sangrienta que era Indiana Jones y el templo maldito (1984) y quizás mi favorita: rodó La lista de Schindler y Parque Jurásico el mismo año, 1993. Increíble.

Además de los traumas de la infancia, al ganador de dos Óscar a Mejor Director le interesan mucho las personas desplazadas. Especialmente las desplazadas involuntariamente: E.T., los judíos de La lista…, los niños de Jurassic Park, Tom Cruise en La guerra de los mundos, el niño de I.A. o el niño de El imperio del sol.

Personalmente (totalmente subjetivo), Spielberg es un director que admiro, pero que no aprecié de niño. Sus grandes películas me resultaban iconos distantes del pasado. En el siglo XXI le presto atención, pero no me vuelve loco. Hay cosas interesantes suyas en este siglo como Minority Report (increíble), Atrápame si puedes o Munich, pero también descalabros como Indiana Jones 4, Mi amigo el gigante o The Post.

Pero como me encantan las listas y he escuchado argumentos delirantes de lo interesante que está siendo esta última etapa, os traigo mi top 5 suyo. Es increíble la cantidad de obras maestras que tiene. Spoiler: todos los protas de la lista en silueta son reconocibles:

5. En busca del arca perdida (1981)

Tanta secuela ha infravalorado la primera y mejor de la franquicia. El carisma, el humor, las escenas de acción, la puesta en escena, ese guion: “No es el hombro, es el kilometraje”. Disponible: Netflix y Movistar.

4. E.T. el extraterrestre (1982)

Una de sus películas más icónicas y con más impacto en la cultura popular. Nadie mejor que Spielberg para mostrarte un hogar desordenado, sucio y, en resumen, vivo. La sencillez y efectividad del guion es lo que más se echa de menos. Disponible: Prime.

3. El color púrpura (1985)

En mi opinión, su película más infravalorada. Ver esta película de principio a fin, sin cortes, te deja bastante descolocado. Sus actrices son inmejorables. En esta etapa, el cineasta estaba intentando demostrar que también podía hacer películas de temas serios.

2. La lista de Schindler (1993)

Una obra maestra indiscutible. Lo único que algunos pueden criticarle es sensiblería, pero yo creo que es una película muy poderosa y muy honesta. Muestra los grises de su protagonista de forma sincera. El guion de Zaillian es casi episódico y, aunque parezca imposible, tiene momentos de humor. Disponible: Movistar.

1. Tiburón (1975)

Cada día del rodaje, Steven se despertaba con la amenaza de que no volvería a trabajar de nuevo. Fue uno de los rodajes más complejos y con peor ambiente. La iconografía, los trucos de cine y la música son efectivos todavía hoy en día. Uno de los mejores guiones y una de las mayores clases de cine que se pueden ver. Disponible en: Prime.

Por suerte, lo que se viene es como para tener bastantes esperanzas. Es verdad que las listas son la mejor forma de llevarse decepciones, pero… Es que tenemos una nueva de Nolan en un mes, Brad Pitt y Fincher se unen de nuevo en noviembre y cerramos el año con Dune: Parte Tres…

Cualquiera que me conozca ha sufrido chapas mías hablando de Nolan, Fincher, Tom Cruise o Dune. Pues tenemos mucho de cada uno en lo que queda de 2026.

Empezamos con maestrillos mencionables. Vuelve Rodrigo Sorogoyen (As Bestas) con una nueva película protagonizada por Javier Bardem, El ser querido, el 28 de agosto. La presencia de Bardem como protagonista puede dar pie a que llegue a los Oscar.

Luego tenemos a un guionista legendario y director novel, Aaron Sorkin, con la secuela de La red social. Y, para cerrar el año, un cineasta joven y único a la hora de adentrarse en el folclore y el terror: Robert Eggers, con Licántropo.

1. Christopher Nolan, 17 de julio

La odisea

Es increíble que falte menos de un mes para esta película. Es Nolan en el pico de su carrera, recién salido de su mayor éxito, Oppenheimer, preparado para su película más gigantesca. Es una epopeya del Hollywood de Lawrence de Arabia o Ben-Hur. Matt Damon como Odiseo lo tiene claro: “Cualquier día de este rodaje de 91 días sería el día más duro de cualquier rodaje. Sin duda, la película más compleja que he hecho”.

2. Alejandro G. Iñárritu, 2 de octubre

Digger

Antes de ser un héroe de acción, Tom Cruise era conocido por trabajar con directores arriesgados y de gran prestigio como Kubrick, Scorsese, Oliver Stone o Paul Thomas Anderson. Este año vuelve a ello al protagonizar la nueva película del director de Birdman o El renacido, Alejandro G. Iñárritu. Tendrá recorrido en los Oscar y lo poco que se sabe de ella solo la hace más interesante.

3. David Fincher, 25 de noviembre

Las aventuras de Cliff Booth

Aunque no me encantó la primera vez que vi Érase una vez en Hollywood, reconozco que con los años la he ido disfrutando. El carisma de ese Hollywood de 1969, de sus protagonistas y ese aura de It’s all right me han ido convenciendo, aunque sigo pensando que le sobran 20 minutos.

Quién iba a imaginar esta mezcla de un guion perdido de Tarantino, David Fincher en la dirección y Brad Pitt retomando el personaje que le dio el Oscar. Aquí encarna una versión de “Señor Lobo, resuelvo problemas” del Hollywood setentero. Produce Netflix, así que habrá que estar rápidos en ir al cine.

4. Denis Villeneuve, 18 de diciembre

Dune: Parte Tres

Por último y pffff, ya solo quedan 6 meses. El final de otra épica como La odisea, pero de la cual no conocemos bien la historia. El universo Dune me fascina y la adaptación de Denis Villeneuve aún más.

La saga dio un salto en su 2ª entrega frente a esa 1ª más contemplativa. Creo que Villeneuve se encuentra en una situación similar a la de Nolan: Hollywood está rendido a sus pies al entregar películas que hacen dinero, lanzan actores al estrellato y llegan a los Oscar. La necesito ya.

Me apetecía El día de la revelación porque es Spielberg con una historia original, ciencia ficción y de una escala considerable: 115M de presupuesto de su estudio leal, Universal.

Sinopsis: Si descubrieras secretos que han permanecido ocultos durante décadas, y alguien te abriera los ojos y te lo demostrase, ¿qué harías? Este verano, la verdad será revelada a más de ocho mil millones de personas. Llega... El día de la revelación.

Disponible en Itaroa, Baiona y Morea, estas dos últimas tanto en español como en VOSE.

Obviamente, yo no tengo el talento requerido ni para servirle un café al director de cine que dirigió el mismo año La lista de Schindler y Jurassic Park. Dicho esto, creo que su nueva película está en el fondo del barril de su filmografía. La película tiene interés, con una historia en continuo movimiento (a veces no sabe si avanza o da vueltas) y personajes simpáticos. Es una historia accesible y que quiere ser algo familiar, sin grises ni complejidades.

Hay algo en ella muy de inicios del 2000, con un tablero de buenos y malos tan obvio. También por la forma tan genérica de tratar lo extraterrestre. Una vez que se ha hecho La llegada (2016, mi crítica), hace que una peli como El día de la revelación resulte antigua.

Ese film de Denis Villeneuve nos transmitía una vida alienígena que realmente parecía que no tuviese nada de este mundo. Su lenguaje, sus sonidos, el material de su nave o la forma de su nave. Todo en ella escapaba del alienígena típico blanco de un metro de altura, con una cabeza grande y ojos negros, que viene de un platillo volante.

Spielberg, en esta película, que de forma no oficial cierra su relación con aliens tras Encuentros en la tercera fase y E.T., lo que le interesa es qué significaría a nivel social saber que los alienígenas han estado en nuestro planeta. Eso y algún brochazo de empatía.

A nivel visual, este director es conocido por su capacidad para la puesta en escena. Es decir, por rodar a veces de las formas más complicadas y que, lejos de fijarnos en ello, esto sirva para introducirnos más en la historia. Aquí está sobreestilizado, su puesta en escena está gritando lo coreografiada que está, con esos constantes destellos de luz que tanto le gustan.

Sala oscura, se abre la puerta, la cámara se mueve hacia un actor que se mueve hasta ponerse en primer plano. Chan, chan, chan... La música nos subraya que este es el malo malísimo. Una teatralidad que me recordaba a la cinta del propio director de 2008, Indiana Jones 4.

Las imágenes más poderosas, vampirizadas ya en el material promocional, con una niña caminando junto a unos animales, se caen con unos efectos especiales que no se sostienen demasiado. Las crónicas de Narnia, de 2005, tenía unos animales hechos por ordenador más realistas. El motivo de esto se me escapa.

No es una mala película, solo una cinta pasable que a los fans de la ciencia ficción no nos dice nada nuevo. Y como decía, la taquilla (que se encuentra en una forma estupenda económicamente) le ha dado al director de Tiburón su mejor estreno para una película original en muchos años.

En mi caso, cae a la posición #14 de 18 del ranking de 2026.