Todo esto es tan interesante como que el director inglés ya había adaptado La Odisea, solo que no directamente. Incontables veces, sus protagonistas tienen que recorrer laberintos para llegar a sus seres queridos. A veces, laberintos de recuerdos (Memento), oníricos (Origen) o galácticos (Interstellar).

La Odisea de Nolan se estrena hoy y es tan épica que es difícil de digerir. No todo en ella funciona, pero se acerca mucho. Tengo la sensación de que su inicio es donde está su mayor fuerza. Echo de menos el virtuosismo de montaje, guion y música de Oppenheimer y no diría que esté en el top de Nolan. Sin embargo, ningún defecto la aleja de ser una auténtica proeza de adaptación cinematográfica.

Tenía 7 años cuando vi Troya (2004) en un cine de verano. Me encantó todo en ella y, por supuesto, lo que la acompañaba: ese mundo de los dioses griegos y sus mitos. Y me llevó a conocer esa segunda parte que decidieron no hacer, llamada La Odisea.

No se ha hecho en Hollywood desde entonces y no me extraña. Es un rodaje duro: es difícil lidiar con todo lo fantástico, contarlo todo en una película y conseguir que el viaje en barco de Ulises no se vuelva pesado. Hasta Kubrick rodó una y todavía pensamos en ella. Es el tipo de producción que puede acabar con un director consolidado.

Si alguien podía hacerlo, era Nolan, cuyo montaje de Oppenheimer le valió un Óscar muy merecido: ¡qué rápido y qué bien se mueve esa película! Ulises, igual que el propio Oppenheimer, vive con el peso de las consecuencias de su idea. Ambas —bomba y caballo— son desarrolladas para detener la guerra, pero no sin cobrarse víctimas. De eso va esta Odisea: del precio de la violencia.

El director y guionista no es especialmente político ni propagandista, pero sí vemos en sus últimos cuatro filmes un intento por escapar de la locura bélica, ya sea en las playas de Dunkerque, en una guerra cuántica, impidiendo que los alemanes desarrollen una bomba atómica o evitando que la barbarie de Troya se lleve consigo a la civilización occidental.

Las ganas estaban, sobre todo tras una mitad de año de cine floja. Mi sensación es confusa: hay mucho que me ha gustado, pero echo de menos cosas y me sobra alguna aventura.

El primer tercio, de maravilla —empieza a mil por hora—; me gusta el tercer tercio y es en el segundo donde encuentro algún meandro y donde la cinta no va por delante de nosotros. Curiosamente, algunas de las escenas que más me han gustado corresponden a aspectos que Homero nos narra en su historia, pero no explícitamente, y aquí sí.

Al ser una historia tan larga, es difícil no juzgarla por su final, al que veo algo carente de emoción o revelación. ¿Quizás un encuentro con Laertes lo habría solucionado?

Sin embargo, hay mucho con lo que deleitarse en esta producción de más de 200 millones: los imaginativos efectos prácticos que emplea para mostrarnos los aspectos más fantásticos sin recurrir a efectos especiales. Algo tan sencillo como ver a tanta gente arrastrar al caballo… Nos estimula, acostumbrados como estamos a ver tanto efecto digital. Todo lo que vemos de lo ocurrido en Troya es oro.

Me encanta cuánto ha ganado el cine de Christopher Nolan desde que, en 2014, contó con Hoyte van Hoytema como director de fotografía. Sus imágenes tienen un color y evocan más simbolismo que nunca.

Me gusta cómo el guion y los actores consiguen mantener más interesante lo que sucede en Ítaca que en la flota de Ulises. En otras adaptaciones, suele ser un espacio más estanco donde Penélope y Telémaco no terminan de tomar decisiones.

No es perfecta ni está en la cúspide de Nolan, pero es una proeza con muchas cualidades. Ahora, tengo que decir que algunas de las pelis de Nolan a las que más estoy volviendo (Dunkerque u Oppenheimer) no me maravillaron en su momento. Sus carencias hacen que la historia de Homero sea un lugar al que querer volver.

Sinopsis: El anhelo romántico de un chico por su amor platónico de toda la vida desencadena un siniestro hechizo: Niki se vuelve irracionalmente obsesiva. Una fantasía que se convertirá en una perturbadora pesadilla. Disponible en Baiona, La Morea e Itaroa.

Entre el increíble mantenimiento y su sencilla premisa (a su director se le ocurrió viendo un capítulo de Los Simpson, 3x07), imaginaba que el film debía desarrollarse de una forma fascinante. Si no, su tremendo éxito resultaba difícil de entender.

Y el domingo lo confirmé. La tensión, una vez la premisa se asienta, es constante. Viéndola estás deseando que se haga de día porque cada vez que llega la noche, la obsesiva Nikki da mucho miedo. La actriz (Inde Navarrette) es muy buena y el guion le da cosas muy inquietantes que hacer. Ella es el corazón y el terror de la cinta al mismo tiempo. Baker la mantiene en silueta de una forma aterradora.

Para lo barata que es, luce muy bien, usando muy poco espacio en foco. Esto hace que nunca veamos sus limitados recursos. Es increíble con qué poco la película consigue transmitirte la sensación de que algo terrible puede suceder en cualquier momento. Ambos aspectos se ven en esta escena:

La sala estaba llena y, aun así, reconozco que cerré los ojos en varias ocasiones deseando que el susto sucediese cuanto antes. Su director y guionista de 26 años, Curry Baker, ha escrito un guion muy efectivo y no tiene miedo a un protagonista con muchos grises.

Como la película explora personajes arquetípicos y dinámicas entre jóvenes, hay demasiado de lo que hablar. Pero sí conviene mencionar el elemento “pide un deseo” como artefacto para que algo haga el trabajo sucio por ti. Bear no se atreve a declarar su amor por Nikki, así que pide un deseo. Esto puede trasladarse a nuestras vidas en forma de mentiras, de usar demasiado la IA o ese concepto “moderno” de “manifestar”.

La película, que contiene momentos de terror y gore, tiene humor. Y aunque se ríe de “mira qué loca la novia tóxica”, no la etiqueto de misógina. Primero, porque es provocado por un artefacto que concede deseos (ciencia ficción) y porque mantiene una gran distancia con su, claramente inestable, protagonista.

Se coloca con mucha facilidad en el top 3 de lo que llevamos de año, tras Marty Supreme y The Drama.

Spoilers: Como decía, el film no tiene problema en que la audiencia mire al protagonista con distancia porque es un personaje egoísta, cobarde y aprovechado.

Cualquier duda sobre el posicionamiento de su autor se resuelve en la siguiente escena:

Bear comprende que Nikki hará lo que él diga y cree que puede controlar la situación, así que, tras una inquietante discusión en el restaurante, se van a casa y tienen relaciones. La música y cómo está reaccionando Nikki dejan claro que todo en esa situación está terriblemente mal. Bear se está aprovechando y la verdadera Nikki está siendo abusada.

Las proezas de Steven Spielberg son infinitas. Hollywood vio un mundo nuevo de rentabilidad tras el éxito de Tiburón (1975), revolucionó los efectos especiales con Parque Jurásico, creó la categoría de +13 por lo sangrienta que era Indiana Jones y el templo maldito (1984) y quizás mi favorita: rodó La lista de Schindler y Parque Jurásico el mismo año, 1993. Increíble.

Además de los traumas de la infancia, al ganador de dos Óscar a Mejor Director le interesan mucho las personas desplazadas. Especialmente las desplazadas involuntariamente: E.T., los judíos de La lista…, los niños de Jurassic Park, Tom Cruise en La guerra de los mundos, el niño de I.A. o el niño de El imperio del sol.

Personalmente (totalmente subjetivo), Spielberg es un director que admiro, pero que no aprecié de niño. Sus grandes películas me resultaban iconos distantes del pasado. En el siglo XXI le presto atención, pero no me vuelve loco. Hay cosas interesantes suyas en este siglo como Minority Report (increíble), Atrápame si puedes o Munich, pero también descalabros como Indiana Jones 4, Mi amigo el gigante o The Post.

Pero como me encantan las listas y he escuchado argumentos delirantes de lo interesante que está siendo esta última etapa, os traigo mi top 5 suyo. Es increíble la cantidad de obras maestras que tiene. Spoiler: todos los protas de la lista en silueta son reconocibles:

5. En busca del arca perdida (1981)

Tanta secuela ha infravalorado la primera y mejor de la franquicia. El carisma, el humor, las escenas de acción, la puesta en escena, ese guion: “No es el hombro, es el kilometraje”. Disponible: Netflix y Movistar.

4. E.T. el extraterrestre (1982)

Una de sus películas más icónicas y con más impacto en la cultura popular. Nadie mejor que Spielberg para mostrarte un hogar desordenado, sucio y, en resumen, vivo. La sencillez y efectividad del guion es lo que más se echa de menos. Disponible: Prime.

3. El color púrpura (1985)

En mi opinión, su película más infravalorada. Ver esta película de principio a fin, sin cortes, te deja bastante descolocado. Sus actrices son inmejorables. En esta etapa, el cineasta estaba intentando demostrar que también podía hacer películas de temas serios.

2. La lista de Schindler (1993)

Una obra maestra indiscutible. Lo único que algunos pueden criticarle es sensiblería, pero yo creo que es una película muy poderosa y muy honesta. Muestra los grises de su protagonista de forma sincera. El guion de Zaillian es casi episódico y, aunque parezca imposible, tiene momentos de humor. Disponible: Movistar.

1. Tiburón (1975)

Cada día del rodaje, Steven se despertaba con la amenaza de que no volvería a trabajar de nuevo. Fue uno de los rodajes más complejos y con peor ambiente. La iconografía, los trucos de cine y la música son efectivos todavía hoy en día. Uno de los mejores guiones y una de las mayores clases de cine que se pueden ver. Disponible en: Prime.

Por suerte, lo que se viene es como para tener bastantes esperanzas. Es verdad que las listas son la mejor forma de llevarse decepciones, pero… Es que tenemos una nueva de Nolan en un mes, Brad Pitt y Fincher se unen de nuevo en noviembre y cerramos el año con Dune: Parte Tres…

Cualquiera que me conozca ha sufrido chapas mías hablando de Nolan, Fincher, Tom Cruise o Dune. Pues tenemos mucho de cada uno en lo que queda de 2026.

Empezamos con maestrillos mencionables. Vuelve Rodrigo Sorogoyen (As Bestas) con una nueva película protagonizada por Javier Bardem, El ser querido, el 28 de agosto. La presencia de Bardem como protagonista puede dar pie a que llegue a los Oscar.

Luego tenemos a un guionista legendario y director novel, Aaron Sorkin, con la secuela de La red social. Y, para cerrar el año, un cineasta joven y único a la hora de adentrarse en el folclore y el terror: Robert Eggers, con Licántropo.

1. Christopher Nolan, 17 de julio

La odisea

Es increíble que falte menos de un mes para esta película. Es Nolan en el pico de su carrera, recién salido de su mayor éxito, Oppenheimer, preparado para su película más gigantesca. Es una epopeya del Hollywood de Lawrence de Arabia o Ben-Hur. Matt Damon como Odiseo lo tiene claro: “Cualquier día de este rodaje de 91 días sería el día más duro de cualquier rodaje. Sin duda, la película más compleja que he hecho”.

2. Alejandro G. Iñárritu, 2 de octubre

Digger

Antes de ser un héroe de acción, Tom Cruise era conocido por trabajar con directores arriesgados y de gran prestigio como Kubrick, Scorsese, Oliver Stone o Paul Thomas Anderson. Este año vuelve a ello al protagonizar la nueva película del director de Birdman o El renacido, Alejandro G. Iñárritu. Tendrá recorrido en los Oscar y lo poco que se sabe de ella solo la hace más interesante.

3. David Fincher, 25 de noviembre

Las aventuras de Cliff Booth

Aunque no me encantó la primera vez que vi Érase una vez en Hollywood, reconozco que con los años la he ido disfrutando. El carisma de ese Hollywood de 1969, de sus protagonistas y ese aura de It’s all right me han ido convenciendo, aunque sigo pensando que le sobran 20 minutos.

Quién iba a imaginar esta mezcla de un guion perdido de Tarantino, David Fincher en la dirección y Brad Pitt retomando el personaje que le dio el Oscar. Aquí encarna una versión de “Señor Lobo, resuelvo problemas” del Hollywood setentero. Produce Netflix, así que habrá que estar rápidos en ir al cine.

4. Denis Villeneuve, 18 de diciembre

Dune: Parte Tres

Por último y pffff, ya solo quedan 6 meses. El final de otra épica como La odisea, pero de la cual no conocemos bien la historia. El universo Dune me fascina y la adaptación de Denis Villeneuve aún más.

La saga dio un salto en su 2ª entrega frente a esa 1ª más contemplativa. Creo que Villeneuve se encuentra en una situación similar a la de Nolan: Hollywood está rendido a sus pies al entregar películas que hacen dinero, lanzan actores al estrellato y llegan a los Oscar. La necesito ya.

Me apetecía El día de la revelación porque es Spielberg con una historia original, ciencia ficción y de una escala considerable: 115M de presupuesto de su estudio leal, Universal.

Sinopsis: Si descubrieras secretos que han permanecido ocultos durante décadas, y alguien te abriera los ojos y te lo demostrase, ¿qué harías? Este verano, la verdad será revelada a más de ocho mil millones de personas. Llega... El día de la revelación.

Disponible en Itaroa, Baiona y Morea, estas dos últimas tanto en español como en VOSE.

Obviamente, yo no tengo el talento requerido ni para servirle un café al director de cine que dirigió el mismo año La lista de Schindler y Jurassic Park. Dicho esto, creo que su nueva película está en el fondo del barril de su filmografía. La película tiene interés, con una historia en continuo movimiento (a veces no sabe si avanza o da vueltas) y personajes simpáticos. Es una historia accesible y que quiere ser algo familiar, sin grises ni complejidades.

Hay algo en ella muy de inicios del 2000, con un tablero de buenos y malos tan obvio. También por la forma tan genérica de tratar lo extraterrestre. Una vez que se ha hecho La llegada (2016, mi crítica), hace que una peli como El día de la revelación resulte antigua.

Ese film de Denis Villeneuve nos transmitía una vida alienígena que realmente parecía que no tuviese nada de este mundo. Su lenguaje, sus sonidos, el material de su nave o la forma de su nave. Todo en ella escapaba del alienígena típico blanco de un metro de altura, con una cabeza grande y ojos negros, que viene de un platillo volante.

Spielberg, en esta película, que de forma no oficial cierra su relación con aliens tras Encuentros en la tercera fase y E.T., lo que le interesa es qué significaría a nivel social saber que los alienígenas han estado en nuestro planeta. Eso y algún brochazo de empatía.

A nivel visual, este director es conocido por su capacidad para la puesta en escena. Es decir, por rodar a veces de las formas más complicadas y que, lejos de fijarnos en ello, esto sirva para introducirnos más en la historia. Aquí está sobreestilizado, su puesta en escena está gritando lo coreografiada que está, con esos constantes destellos de luz que tanto le gustan.

Sala oscura, se abre la puerta, la cámara se mueve hacia un actor que se mueve hasta ponerse en primer plano. Chan, chan, chan... La música nos subraya que este es el malo malísimo. Una teatralidad que me recordaba a la cinta del propio director de 2008, Indiana Jones 4.

Las imágenes más poderosas, vampirizadas ya en el material promocional, con una niña caminando junto a unos animales, se caen con unos efectos especiales que no se sostienen demasiado. Las crónicas de Narnia, de 2005, tenía unos animales hechos por ordenador más realistas. El motivo de esto se me escapa.

No es una mala película, solo una cinta pasable que a los fans de la ciencia ficción no nos dice nada nuevo. Y como decía, la taquilla (que se encuentra en una forma estupenda económicamente) le ha dado al director de Tiburón su mejor estreno para una película original en muchos años.

En mi caso, cae a la posición #14 de 18 del ranking de 2026.

Sinopsis: Una extraña puerta aparece en el sótano de una tienda de muebles. Cuando el paciente de una terapeuta desaparece en una dimensión fuera de la realidad, ella deberá adentrarse en lo desconocido para rescatarlo. Adaptación de un corto de Kane Parsons.

Así que fui contento el viernes con dos amigos a verla en una sala no solo desbordante, sino llena de gente joven, de 20-25 años. ¿Y qué tal es la película? Es una película de terror bien hecha, eficiente, que no se apoya en el gore y que consigue crear una atmósfera perturbadora.

Esta estructura de película y esta idea de un espacio oculto en el que ocurren cosas extrañas las hemos visto antes. Backrooms es exitosa en transmitir una continua sensación de inquietud con este espacio sin fin de oficinas abandonado.

Tener una iconografía única es fundamental para ser comercial y Backrooms la tiene gracias a estas oficinas amarillas tan lúgubres. El film está bien equilibrado: su justa ración de desarrollo de personajes, localizaciones, reducido número de actores... Las limitaciones presupuestarias del film no transmiten precariedad, sino síntesis. No pierde tiempo (1 h 45 min).

Ahora, si olvidamos el fenómeno de internet que ha dado lugar a este título, la edad de su director o los méritos de producción… Reconozco que no hay nada que la haga única o imprescindible.

Hay ideas y conceptos que explorar, este espacio en el que se quedan versiones dañadas de nosotros mismos... Malformaciones del espacio para mostrar traumas. Y el propio film, igual que estas oficinas, tiene demasiados ecos a películas anteriores.

Cuando estoy en una sala tan llena, me es difícil pasar miedo o emocionarme. Pero también es más fácil medir el ambiente, si la película está funcionando o no. En mi opinión, nos mantuvo entretenidos, inquietos, pero nunca realmente aterrados. Y puede que Kane Parsons no busque sustos, sino una sensación perturbadora. En mi ranking del año estaría en el Top #5.

Por esto entiendo que en su segundo fin de semana haya tenido cierta caída respecto al anterior (68%). Esto no es un problema porque va a cruzar los 200 M con un presupuesto de 9, pero creo que sí hace referencia a que el fenómeno que la rodeaba era superior a su, nada desdeñable, calidad.

A su vez, la otra película de la que hablé, hecha por un youtuber y que está rompiendo récords, Obsession, tuvo peor estreno, pero está teniendo un mejor mantenimiento que Backrooms. Tendremos que esperar al 26 de junio para comprobarla.

Por un lado, parecía que eran los videojuegos y la adaptación de elementos culturales más jóvenes, como Minecraft o Lilo & Stitch. Curiosamente, cuando hay más personas en el mundo desarrollando formatos e ideas en el audiovisual en redes sociales, el cine —el formato original— estaba estancado. Casi parece que la propuesta era: “¿De qué podemos hacer pelis mediocres que hagan mil millones?”.

Por eso no parecía descabellado pensar en la idea de apostar porque youtubers lancen proyectos en el cine con ideas nuevas. Este pasado fin de semana podría ser uno de esos de los que se hable para siempre como punto de inflexión.

¿Por qué? Miremos el top 3 de la taquilla estadounidense. Nº 1, Backrooms, con 80 millones, una película original recién estrenada. Nº 2, Obsession, con 26 millones, película original en su tercera semana; y Nº 3, Mandalorian & Grogu, de la saga Star Wars, en su segunda semana en cines, con 26 millones.

Dos películas originales hechas con muy poco y una historia diferente han superado a una película de más de 100 millones relacionada con una de las franquicias más famosas del mundo.

Primero, Backrooms, una película hecha por un joven de 26 años con una idea de ciencia ficción/terror que no requería mucha producción —por debajo de 10 M—. Su primer fin de semana ha recaudado 90 M. Se estrena en España este viernes 5 de junio.

Obsession es una película sobre una relación tóxica de dos jóvenes. Se financia de forma independiente por 750.000 dólares, Focus Features la compró por 15 M a su director y lleva 104 M recaudados. Porcentualmente, es el mayor ascenso en una tercera semana desde Tiburón. Su director es un youtuber de 20 años.

Esto manda una señal clarísima a los cinco grandes estudios que exhiben en salas —Warner, Sony, Universal, Paramount y Disney—. Apostar por ideas frescas y jóvenes cineastas sale muy, muy rentable cuando ganas y muy barato cuando pierdes.

Apostar por lo joven parece de eslogan buenista, pero, en este caso, el chaval de Backrooms ha conseguido el quinto mejor estreno de una película de terror en la historia. Poca broma.

Además, he hablado de recaudación en Estados Unidos; a nivel global, estos son los números acumulados para estas dos cintas independientes: Backrooms —118 M— y Obsession —148 M—. Y ni siquiera se han estrenado los pesos pesados de este año: Toy Story 5, La Odisea o Spider-Man.

La historia de Hollywood es un conjunto de fases, de pendulazos, pasando del máximo auge a escribir su epitafio, pero también en cuanto a forma. Los 70 fueron la década revolucionaria y experimental, los 80 fueron la familiar y en los 90 volvió la locura.

Quizás este éxito tan rentable podría cambiar qué películas se hacen y cuál es la relación del público con el medio. Si ese dineral que tiene esa región de California llamada Hollywood lo utiliza para producir con cabeza y venderlas bien, podría compensar todo lo que se ha denostado la industria de exhibición cinematográfica desde el Covid.

Puede que dentro de unos años se vea la década pasada como el ascenso y caída de los superhéroes y esta como los tiempos de los youtubers en el cine. La plataforma del desconocido Neal Mohan podría albergar al próximo Scorsese, Spielberg o Coppola.

Así es como este guionista y director noruego Kristoffer Borgli —ya me gustó lo que hizo con Nicolas Cage— juega con la fórmula de las comedias románticas. Ni se inventa una nueva ni deconstruye la existente y, aun así, es mi top 2 del 2026.

Sinopsis: Una pareja, días antes de su boda, se enfrenta a una crisis cuando unas inesperadas revelaciones desbaratan lo que uno de ellos creía saber del otro.

Disponible en Itaroa y Baiona desde el viernes 29.

El esquema básico lo conocemos todos: chico que conoce chica. Todo va bien —normalmente sostenido sobre una mentira; esta se descubre—, crisis y reencuentro.

¿Y entonces qué hace The Drama diferente? Aquí no hay mentiras, sino descubrimientos entre la pareja protagonista encarnada por Robert Pattinson y Zendaya —a ambos los veremos este año en La Odisea y Dune: Parte Tres—.

El resto de la película es cómo esto afecta a la pareja. Infinitamente más interesante que las mentiras típicas como origen de la tensión. Qué ganas tenía de ver una película como esta: un título de presupuesto medio, con actores buenos y comerciales que aceptan salarios bajos por un guion y director originales.

No es casualidad que el fenotipo de la sala —la vi en Francia en abril— fuese el contrario al de una película de Marvel y exactamente igual que el de Cumbres Borrascosas de hace unos meses: mujeres de 25-30 años.

El filme tiene muy buen ritmo, actores carismáticos, Boston de fondo… Pero, además, consiguen hacer comedia sobre un tema imposible —que no diré—. Un tirabuzón constante, con bromas que tenía a la sala a carcajadas. Es increíble la habilidad del filme para hacer comedia de los personajes tomándose en serio un tema hipersensible. Y uno nunca pensaría que la cinta se ríe de “ese tema”.

Esta comedia romántica utiliza los arquetipos para hablar de otros temas. Dándole un frescor inmediato, así se entiende que esta sea la tercera película más taquillera del estudio indie, A24, con 128 M —costó 28 M—.

Metiéndome en barrizales, me parece muy interesante cómo Zendaya, de ascendencia mixta, elige no participar en historias que hablen solo de racismo. Sus personajes pueden lidiar con temas de raza, pero nunca es el argumento principal. Aquí vemos una pareja mixta y esta diferencia nunca es mencionada.

Esto no disminuye su compromiso y creo que la hace una actriz más interesante, impredecible y accesible para todo Occidente. Lo que explica que quizás sea la actriz más importante de Europa y América.

Creo que esto es así porque tanto la película como la actriz tienen inquietudes más complejas.

Famosa por el podcast Estirando el chicle, escribió un libro que ahora adapta Movistar +. Esta serie es una de las acertadas decisiones que tomó la guardia anterior (Domingo Corral y Cristina Burzako) antes de que interfiriera el Gobierno y pusiera a los suyos.

Sinopsis: Bárbara, Maca y Elena fueron juntas al colegio y 20 años después siguen siendo amigas, más o menos. Bárbara vive frustrada y está enganchada a las benzodiacepinas. Maca intenta salir adelante como actriz. Y Elena está embarazada de un señor de 60 años.

En cuanto vi el tráiler supe que esta serie sería increíble. El tráiler de esta serie es de los mejores que he visto en bastante tiempo. Desde su irreverencia a su propuesta visual, actrices y sobre todo este humor que es casi inexistente en otros productos de comedia:

“¿Quién te va a violar con esas pintas?”

“A estas alturas, si quieres abortar… Como no te tires por las escaleras”

“¿Qué pasa que no soy abusable?”
https://www.youtube.com/watch?v=i7EaXHFNlw4

Ana Castillo es una de las mejores actrices españolas, sobre todo porque no parece que actúe. Como dirían los actores cuando se ponen intensos: “Tiene mucha verdad en todo lo que hace”. Todo lo que dice es natural y que su físico sea de este mundo siempre resulta refrescante. Nunca le pillas actuando, no parece actriz.

Macarena Gómez está genial como esta pija insoportable que siempre está guapísima, que lo tiene todo y que está como unas maracas de loca. La serie tiene el divertido recurso de que la protagonista tiene un alter ego invisible en el cuerpo de una niña pequeña (ella con 9 años) y de la cual salen las mayores barbaridades (bienvenidas sean).

No hace falta ser muy sesudo para saber que una serie funciona: si mientras la ves no estás pendiente de cuánto queda, es que es buena. Estos 6 capítulos se ven muy rápido y la verdad es que me encantaría que hubiese más. Sí es cierto que la fuerza de la serie creo que está en sus primeros 3 capítulos, no podría arrancar mejor. La 2ª mitad está bien pero no tiene el mismo frescor. En cualquier caso, muy recomendable si queréis sorprenderos.

Denis Villeneuve (58) y David Fincher (63) son dos directores a los que adoro, especialmente el segundo. Ambos estrenan películas en 2026 y, mientras Villeneuve parece no fallar y tener por delante el mejor momento de su carrera, Fincher no parece encontrar un colaborador de guion con el que encaje.

Digo que Villeneuve se encuentra en una buena posición porque en diciembre estrena Dune 3, un cierre de trilogía que tiene a todo el mundo salivando. Una de las pocas sagas que está resultando fresca con cada entrega, que no huele a desesperación. Este cierre podría significar su victoria en los Oscar, ya que su recorrido emula a la trilogía de El señor de los anillos, las dos primeras nominadas a Mejor Película.

Por si fuera poco, el próximo proyecto de Villeneuve es nada menos que la nueva película de 007 y con la oportunidad de reiniciar la saga, elegir un nuevo Bond, una nueva versión del personaje. Es cierto que este director franco-canadiense siempre ha estado en ascenso y durante la última década su siguiente proyecto era el más ambicioso.

Tras ser nominado a Mejor Película Extranjera por Incendies (2010), desembarcó en Hollywood de la mano de Hugh Jackman en Prisioneros (2013). Cuando rodaba Sicario (2015), fue anunciado que dirigiría la secuela de la mítica Blade Runner (2019); cuando estrenó la secuela, fallida a nivel comercial, ya había sido anunciado que llevaría a cabo una nueva adaptación de Dune (2021).

En cada estreno de esta saga de ciencia ficción, las respuestas más demandadas eran sobre la próxima Dune. Y en diciembre, cuando estrene el esperado desenlace de Paul Atreides, se hartará de decir: “No puedo decir nada sobre James Bond”.

A David Fincher, solo 5 años mayor que Villeneuve, lo conocimos mucho antes, a mediados de los 90. Quizás desde Perdida (2014) da la sensación de que no impacta en la cultura popular como lo hizo con Seven (95) o El club de la lucha (99). Sí es cierto que colaboró en la postproducción del fenómeno del verano pasado, Weapons.

Es cierto que ha dicho que ser director “is a young man’s game” y que ha rechazado proyectos asociados a propiedades multimillonarias, como Star Wars o Marvel. Fincher ya se ha llevado chascos con las sagas. Desde su primera película, Alien 3 (92), o con la saga Millennium, de la que hizo solo la primera, ya que Sony no quiso hacer las dos restantes con las exigencias que Fincher quería: rodarlas seguidas.

El ritmo de bailar entre tus aspiraciones creativas como director y las exigencias de un estudio que está financiando un proyecto de más de 200 M, con gastos de producción y marketing, es muy complejo y puede rozar la tortura. “Fui ingenuo al aceptar dirigir Alien 3 y fui a Pinewood Studios (Londres) a ser sodomizado durante dos años”, decía Fincher.

Curiosamente, el nuevo film de Fincher pertenece a una saga sin las expectativas que suelen conllevar. Se trata de la secuela de Érase una vez en Hollywood, de Quentin Tarantino, una película que he ido adorando cada vez más.

Vuelve Brad Pitt, con guion de Tarantino, y produce Netflix. Cómo de fácil nos lo pondrán para poder verla en cines está por ver. Digo esto porque la empresa de Ted Sarandos está cambiando su modelo últimamente: se han dado cuenta de que prometer un estreno en salas atrae a directores que, si no, se irán a un estudio tradicional.

Nunca había visto la Top Gun original. Llevo años queriendo verla, pero “verla bien” para mí quiere decir en una buena pantalla; casi parece que estuviera esperando el aniversario. En el cine, las dos películas solo estarán hasta el 19 de mayo en Itaroa. Este es un año estelar para Cruise porque vuelve con Digger, del director de El Renacido. El tipo de cine que Cruise hacía en los 90 antes de ser una estrella de acción en el siglo XXI.

A pesar de no haber visto la original de 1986, en 2022 fui al cine dos veces a ver la secuela, Top Gun: Maverick. Una de las mejores experiencias en un cine que he tenido. Qué espectáculo ver el duelo final entre F18 en el aire. La realización de las escenas aéreas es verdad que está a años luz de la original.

Sinopsis: La Marina ha creado una escuela de élite para pilotos con el fin de sacar una promoción de expertos en técnicas de combate. En la academia, conocida como Top Gun, llega el joven Maverick, famoso por su temeraria, aunque brillante, forma de pilotar.

Top Gun es de esas películas que, aunque no hayas visto, conoces. Tiene eco en la cultura popular: camisetas, pósters, referencias en series y películas (Cómo conocí a vuestra madre, Los Simpson)... No solo representa los 80, sino también el salto cuántico de Cruise a la fama.

Hasta entonces había tenido éxito en Risky Business, pero esto le puso en otro nivel. Viendo Top Gun por primera vez, hay tantos momentos que luego se han copiado, la melodía de Take My Breath Away —ganó un Oscar—...

La película de Tony Scott —hermano de Ridley Scott— se mantiene bastante bien. Las escenas aéreas, por lo general, siguen resultando increíbles. Pese a ser algo torpes, las tomas desde el aire permanecen vigentes porque se rodaron sin efectos especiales: los aviones son reales.

Todo en ella es explícito y exagerado, pero por algún motivo funciona. Eso creo que es lo mágico del film: Cruise y, especialmente, Val Kilmer consiguen recitar una serie de diálogos y comportarse de una forma que no puede ser más exagerada y, sin embargo, encajan con ese mundo de cielos anaranjados que nos presenta el filme.

Curiosamente, supone también un punto de inflexión en cuanto a la perspectiva de la industria militar. Tras unos 60 y 70 frustrados con la guerra de Vietnam, las mentiras y las muertes de jóvenes norteamericanos, Top Gun le dio la vuelta como un lugar de excelencia, camaradería, propósito y cool al que pertenecer.

Top Gun también presenta la capacidad que puede tener el cine para influir en las decisiones de las personas, al menos en el siglo pasado. Si Todos los hombres del presidente llenó las facultades de Periodismo, la película de Tom Cruise consiguió que aumentaran más de un 10% los ingresos en el Ejército en 1986.

El film, con apariciones estelares de futuras estrellas como Tim Robbins, Val Kilmer o Meg Ryan, tiene ese elemento azucarado y norteamericano de querer ser mejor. De querer apretar el puño, moverse del sofá y activarse. Tiene un aspecto motivacional absoluto.

La cinta del 86 recaudó 357 M; ajustado a 2026 serían más de 900 millones. La secuela “les salvó el culo a los cines”, como le dijo Spielberg a Tom Cruise, con 1.500 millones.

Cruise pasó a convertirse en una de las estrellas del momento y a mantener su estrellato hasta el día de hoy. Década tras década ha entregado obras trascendentales en lo cinematográfico o en lo popular: El color del dinero, Rain Man, Algunos hombres buenos, Jerry Maguire, Misión imposible, Eyes Wide Shut, Magnolia, Minority Report, El último samurái, Collateral, Tropic Thunder, Al filo del mañana y, muy pronto, Digger.

Las próximas semanas se convirtió en la película que había visto hasta el que menos cine ve. Me avergüenza decir que esto nubló un poco mi pasión por el film de ese embajador que tanto gusta en Hollywood (Los anillos de poder, Jurassic World), J.A. Bayona.

La película consigue tantas cosas bien que parecen obvias, pero en retrospectiva son muy difíciles. Primero consigue evitar lo más común en pelis de este tipo: cómo no ser monótono. Lo consigue dándoles a los personajes victorias y derrotas continuamente: avalancha, encontramos una radio, no sirve, vamos a subir la colina…

Bayona no chapotea en la miseria ni en el sensacionalismo. Incluso hay momentos de humor, humor que por supuesto precede al desastre. Evita la dramatización barata, no hay peleas por cosas pequeñas, las dos mujeres no son violentadas, el aspecto de comer parte de los cadáveres siempre está hecho con respeto y es secundario en esta historia.

La dignificación de los supervivientes es una prioridad absoluta para Bayona. Por eso, cuando tiene lugar todo lo relacionado con los cadáveres, usa lentes con poca distancia focal —poca imagen en foco— y mueve la cámara antes de que podamos ver algo.

Bayona se sirve de un truco de edición sencillo, pero muy efectivo: nos muestra algo muy intenso, corta la imagen de forma que ha pasado mucho tiempo, pero la cámara no se ha movido. Lo usa 4 o 5 veces: alguien está gritando de dolor tras el accidente, corta y seguimos con esa persona, pero lleva horas fallecida. En una de las exploraciones de la montaña, se les hace de noche. Hay una gran ventisca, ruido, viento, gritos, oscuridad. Corta. Está amaneciendo, están dormidos y con una capa de nieve encima.

La música es interesante porque, por un lado, es muy buena, hecha por alguien muy solicitado en Hollywood, Michael Giacchino (The Batman). Curiosamente, tiene experiencia poniendo música a desastres aéreos. Compuso la música del fenómeno televisivo Perdidos. De hecho, usa algunas melodías parecidas, la música dinamiza la película constantemente.

Hay tantos aspectos de esta historia real que la hacen fascinante, desde aspectos morales, espirituales, biológicos… Me impresiona el personaje de Nando, que diariamente sale del fuselaje a cargar peso y moverse para entrenar. Y que, tras enterrar a su hermana, dice: “Yo no voy a morir acá”.

Está muy bien dirigida, pero ¿por qué? Porque Bayona aprovecha las herramientas esencialmente cinematográficas para narrar. Además del ejemplo del corte, cuando están a punto de estrellarse, Bayona decide dedicar un momento a Numa siendo cegado por el sol. O por cómo yuxtapone el miedo y el pánico de los supervivientes en las primeras horas con la noche estrellada, extraordinariamente bonita, de los Andes.

Por último, está bien dirigida por rodar ese final victorioso y quitarle los fuegos artificiales. Al tratarse de un desastre y un milagro al mismo tiempo.

Que pase un tiempo y, si se sigue hablando de ella, le daré una oportunidad. Lo hice con Andor o con la primera de Bronca (Beef, en inglés). Prefiero ver una película a sentirme como un caballo al que le ponen la zanahoria delante y se pega años con una serie estirada de más.

He escuchado que hay una serie nueva de Juego de Tronos, El caballero de los siete reinos, que es genial. La vería de no ser porque ya parece que van a hacer múltiples temporadas.

Como han coincidido el estreno de la tercera temporada de Euphoria y la segunda de Bronca, aprovecho para recomendaros las dos. Aunque Bronca es mucho más accesible que esa joya de la corona de HBO que es Euphoria.

Ambas son buenas en apuntar a personajes fallidos, siempre de forma sutil, en los que podemos reflejarnos. Estas dos series llevan años impresionando al público y, para las dos, esta podría ser su última emisión.

Bronca (Netflix, dos temporadas)

Sinopsis: Una joven pareja es testigo de una pelea entre su jefe y su mujer, lo que desencadena jugadas de ajedrez de favores y coacciones en el elitista mundo de un club de campo y su multimillonario propietario coreano. Cada temporada son personajes e historias distintas.

Aquí tenemos una serie que creo que es accesible a todo el mundo, a diferencia de la cruda Euphoria. Sin embargo, no por eso le falta garra. Ambas temporadas me recuerdan a Los domingos por cómo muestra que somos nosotros nuestros mayores enemigos. Nuestra incapacidad de reconocer la realidad nos va atando y, de repente, no podemos movernos.

La segunda temporada, a pesar de las críticas, me parece incluso más adictiva que la primera. Su playlist de canciones pop es genial y cierra cada episodio con un clímax total. Su creador, Lee Sung, es muy hábil en mostrar cómo personas que sufren con un móvil en sus manos son un motor narrativo inmediato. Ahí, estos personajes vuelcan su impulsividad y egoísmo; es un generador de drama increíble. Ilustra cómo nuestro mundo virtual habla mejor de nosotros que muchas otras facetas.

Euphoria (HBO, tres temporadas)

Sinopsis: Rue (Zendaya) es una joven de 17 años que vuelve de rehabilitación sin intención de mantenerse sobria. En una fiesta antes del comienzo del curso conoce a Jules (Hunter Schafer), una chica recién llegada a la ciudad...

Euphoria es una de las series más icónicas de los últimos 10 años por varias razones. Es la responsable de nutrir a Hollywood de una remesa entera de estrellas (Zendaya, Jacob Elordi, Sydney Sweeney), su música original es de otro planeta, es uno de los productos televisivos con mayor dinamismo cinematográfico y más estilizados. Y, por último, su estimulante narrativa, la honestidad de los personajes y sus comentarios sobre nuestra sociedad.

¿Por qué me fascina? Porque, para que los mensajes de esperanza sean sólidos y lleguen, necesitan venir de personajes en situaciones realmente terribles, y estos personajes sí están en un pozo.

Además de un genio de la música, es una figura que cuenta con una polémica tan ambigua pero pesada (¿cuánto fundamento tenían esas 5 acusaciones?) que me apetecía mucho verla porque pensaba que les sería imposible obviar las acusaciones de abusos. Antoine Fuqua, director, es un cineasta con galones como para concederle la duda de: ¿se atreverán a hacer algo especial, ambiguo y complicado?

Fuqua (60 años) es conocido por dirigir Training Day y más tarde por películas de mucha acción, muy musculares (Equalizer). Es un afroamericano imponente: calvo, barba y muy fuerte; de origen humilde, fue alcanzado con 15 años por una bala perdida en su barrio. Curiosamente, este director de Michael empezó dirigiendo videoclips de Prince.

Sinopsis: Michael es el viaje de Michael Jackson, desde el descubrimiento de su extraordinario talento como líder de los Jackson Five hasta convertirse en una estrella.

No me interesan demasiado las historias de cantantes, suelen ir a lo seguro. Muy genérico, tanto en lo argumental como en lo visual: Rocketman, Bohemian Rhapsody. Aunque, por supuesto, hay excepciones: Better Man o Elvis.

Tras publicarse las terribles puntuaciones de la crítica, me esperaba un desastre, pero me encontré con un biopic (bio de biografía, pic de picture) genérico, correcto e incompleto (habrá 2ª parte) sobre una personalidad fascinante.

La actuación de Jaafar Jackson (el sobrino de Michael interpreta a su tío) es absolutamente espectacular; Colman Domingo, como padre, también resulta muy intimidante.

Es una pena que la propuesta visual sea tan genérica; esa luminosidad digital tan fea hace que todo parezca un poco televisión barata. Vemos un exceso de sets que no parecen vividos, sino de sitcom. Muchos elementos (los estadios o los animales en la casa del cantante) están construidos con unos efectos especiales que, pasado mañana, estarán caducos.

Sin embargo, la actuación del protagonista y los continuos episodios de su vida son tan únicos que estuve siempre interesado, siempre entretenido (dura 2 horas). Hay una escena de entrenamiento de baile absolutamente estimulante de ver.

Lamentablemente, los últimos conciertos que conforman el final son, precisamente, los menos inspiradores.

Conviene decir que la película sigue los hechos desde los 60 hasta el 88, por lo que no cubre sus operaciones de piel ni las acusaciones. Produce Universal y, aunque ha costado 200 M, parece que va a ser un éxito comercial absoluto: podría ganar 80 M solo en USA este fin de semana.

Por quién ha escrito el guion (John Logan; Gladiator, Skyfall), uno esperaría más, pero al parecer originalmente contaba con otro final, uno que hacía referencia a las acusaciones que, por una cláusula legal, tuvieron que eliminar. Así que estiraron escenas y rodaron otro final. Ojalá una 2ª parte sea más atrevida.

Desde la pandemia muchos proyectos se retrasaron y otros se cancelaron. La idea de la exhibición estaba en duda y, cuando la pandemia se acabó y los números no volvían a la normalidad, muchos estudios redujeron el número de películas que estrenaban en salas. Ahora esa mentalidad de streaming primero ha cambiado.

Primero, más películas y que tarden más en llegar a plataformas. En 2024 y 2025, según la fiebre de las plataformas iba relajándose, se empezó a prestar más atención al cine. Cómo volver a ponerlo en forma, porque un éxito en cines siempre va a ser mucho más beneficioso que un éxito en plataformas.

Segundo, las ventanas de distribución. Todos, cuando vemos que se estrena un título interesante, pensamos: ¿me apetece verla en el cine o me espero? Las plataformas han conseguido meternos en la cabeza que los estrenos tardan muy poco en llegar a plataformas y, por lo tanto, es menos urgente ir al cine.

Universal o Disney se han puesto las pilas. Universal se compromete a 45 días (100 en el caso de La Odisea) y Disney, a 60-90. Disney sabe bien con títulos como Zootrópolis 2 que los títulos para los más pequeños aguantan muy bien en taquilla. Es más rentable mantenerlo en salas que inflar la plataforma. Hasta Amazon está manteniendo en cine Proyecto Salvación, que lleva cerca de 600 M.

Incluso Netflix está acercándose a los cines, tiene salas reservadas para Las crónicas de Narnia. Estrenar en cines era la única forma de atraer a Greta Gerwig (Barbie).

Tercero, 2026, un año de títulos excepcionales. Michael Jackson (22 de abril), El diablo viste de Prada 2, la nueva de Star Wars (21 de mayo), Scary Movie 6 (5 de junio), la nueva de Spielberg (12 de junio), Toy Story 5 (17 de junio), Los Minions (1 de julio), Vaiana (8 de julio), La Odisea (17 de julio), Spider-Man 4 (31 de julio), Insidious 4 (21 de agosto), Resident Evil (18 de septiembre), Digger (2 de octubre), la nueva de Los juegos del hambre (20 de noviembre), Las crónicas de Narnia (26 de noviembre), Jumanji (11 de diciembre) y lo más gordo: Dune 3 y Vengadores el 18 de diciembre.

Cuarto, estudios pequeños dentro de los grandes. En la última década los estudios se han centrado en superhéroes. Han dejado de lado sus divisiones pequeñas, donde se experimentaba con películas de presupuestos bajos. No suponían mucha inversión y un éxito ahí era una rentabilidad increíble. La productora pequeña A24 (Marty Supreme) ha demostrado que hay negocio. Será por ello que Warner anunciaba la creación de Clockwork para potenciar títulos pequeños y campañas de marketing creativas.

Cinco, el cine español. Puede que el hecho de que el gobierno actual se haya cargado a la cúpula de Movistar, que ha propiciado éxitos como Los domingos o Sirat, acabe con esta racha. Pero, de momento, la taquilla está un 45% más alta que en 2025 (gracias a Segura) y 3 españolas compiten en Cannes este año: Sorogoyen, Los Javis y Almodóvar.

Sexto, el futuro. Si me preguntan, me parece que, por un lado, se tiene que poner el foco en crear películas originales que nutran de ideas y conceptos a la sociedad. Y, por el otro, innovar la tecnología de las salas de cine para distanciarse de la tecnología doméstica. Este espacio, The Sphere, me parece un buen ejemplo.

La comedia nacional es algo que nunca podrá sustituir ninguna gran franquicia de Hollywood porque funciona a un nivel muy concreto. Justo hace unos días nos enterábamos de que la saga de Torrente ha hecho más dinero en España que la saga A todo gas.

Quizás esta escasez de comedia venga de la mano de que es menos exportable y también de que ha caído nuestra capacidad para reírnos de nosotros mismos.

Por eso resulta tan refrescante cómo Altas capacidades se ríe, entre otras muchas cosas, del progresista medio que defiende lo público hasta que tiene oportunidad de disfrutar de lo elitista. Y, a la vez, hay suficientes golpes a los pijos y al sistema capitalista como para que la parroquia del cine español no la vea como una propuesta “reaccionaria”.

Sinopsis: Alicia y Gonzalo, una pareja de clase media, se encuentran con la oportunidad de matricular a su hijo Fer en un colegio laico de élite; dicen hacerlo por su hijo, pero también es una oportunidad de mejorar el estatus de toda la familia. En Baiona y Morea.

https://www.youtube.com/watch?v=OgMDvjVWY5I

La película despierta muchos debates, además de la vergüenza ajena que genera la pareja protagonista (recuerda a la serie Vergüenza). Ese no decir nunca lo que uno piensa. O la limitada capacidad social de solo saber moverse por el mundo con frases hechas.

Como muchos de nosotros, los protagonistas se meten en líos que crean ellos mismos por no querer ver su verdadero problema y por no saber por qué hacen lo que hacen. Si, además, le añadimos mentiras con patas muy cortas, el caos está garantizado.

El hecho de que los protagonistas estén intentando llevar a su hijo a un colegio privado de corte chupi guay, creativo, con un barniz hippy... y no a uno privado religioso da una madurez a la historia y a sus creadores que no vemos habitualmente.

Que los padres protagonistas no quieran ver que es un colegio elitista, sino uno “potenciador de capacidades” para niños “sensibles” y “especiales”, es lo que les dota de un humanismo lamentable que nos genera empatía y grima al mismo tiempo.

Supongo que es algo que los profesores experimentan a menudo: padres que ven a sus hijos como artistas incomprendidos. Y, aunque a veces sea así, la estadística dice que se trata más de chicos normales con padres que quieren creer que tienen un genio entre manos que los saque de la clase media y, quizás más importante, del anonimato.

Como dijo muy bien una de las mejores cómicas actuales de nuestro país, Victoria Martin:

“Mírame a los ojos. No tienes altas capacidades. Ni TDAH ni PAS. Eres una floja a la que le dan miedo los petardos. No puedes concentrarte porque TikTok te ha freído el cerebro y te aburrías en clase porque eres tontísima. No es porque estés al nivel de Marie Curie. ¿Por qué ibas a ser tú? No hay tantos PAS, no hay tantos TDAH. Todo el mundo tiene altas capacidades y luego yo solo me encuentro a subnormales. El tío dice que es altas capacidades y luego el único libro que se ha leído es Fray Perico y su borrico”.

Sin embargo, si se consigue inyectar verdadera emoción, el resultado puede ser espectacular como “Marte” o “Interestellar”. “Interstellar” no solo hizo casi 800 M sin  que probablemente sea la película favorita del público joven estrenada en la última década.

Este aspecto, los directores de esta adaptación, lo tenían claro. Esta historia viene de un libro del mismo autor de “Marte” (Andy Weir) y del mismo que adapto esa historia protagonizada por Matt Damon (Drew Goddard) en 2015. Por eso hay mucho humor, carisma y cantidades ingentes de azúcar.

Sinopsis: El profesor Ryland Grace se despierta en una nave sin recordar nada. Según recupera la memoria, empieza a descubrir su misión: resolver el enigma de la misteriosa sustancia que provoca la extinción del sol. Disponible en Itaroa, Baiona y La Morea.

Cuando la vi el viernes el cine estaba lleno y pocas veces he visto que el humor de una película funcionase tanto y tan bien (al menos en V.O.). A Gosling (protagoniza y produce) le hemos visto como violento estoico (“Drive”, “Blade Runner 2049”) y como gran actor cómico: “Crazy stupid love”, “La la land”, “Dos buenos tipos” y por supuesto “Barbie”.

Tampoco os podéis perder sus apariciones en Saturday Night Live:

Aquí vemos su vis cómica usada más que nunca. Para bien y para mal el levantamiento de peso muerto que hace aquí Gosling es espectacular. Consigue hacer de una historia con mucha ciencia, larga y sin estar acompañado de otras personas de una película muy disfrutable. Es una proeza. Digo para mal porque también hay muchas conveniencias en la historia que pasamos por alto gracias al carisma de Gosling.

Otro elemento que hay que destacar es la dirección. Esta historia tiene suficientes elementos “fantasiosos” que en manos del 80% de los directores hubieran resultado ridículos. Hay un cuidado en el diseño y fotografía (del mismo de “Dune”) increíbles llenos de riqueza y detalles.

Este guion (de un guionista de “Perdidos”) lo pueden llevar a cabo tan bien muy pocos y, por suerte han contado con más de 200 M de dólares de Amazon Prime Studios. La dirección es llevada a cabo por Phil Lord, Christopher Miller. Famosos por participar en dos fenómenos: “La LEGO Película” y la saga de animación “Spider-Man: un nuevo universo”.

Os dejo el primer trailer que sacaron, os recomiendo no ver más allá de la mitad.

Me parece un poco desafortunado porque las comparaciones de taquilla serán inevitables. Almodóvar, desde Dolor y Gloria (2019), no ha vuelto a tener un buen apoyo del público, ni en Madres paralelas ni en La habitación de al lado. Personalmente, veo que concuerda con la calidad de los títulos; Dolor y Gloria me pareció una obra maestra.

En esta, continúa explorando los sinsabores de un director de cine y siguiendo una conversación entre sus retos como creador y los personajes de sus películas. Es decir, metaficción: una película dentro de una película. Protagonizan Bárbara Lennie y Leonardo Sbaraglia.

Sinopsis: Elsa es una directora de publicidad cuya madre muere durante un largo puente del mes de diciembre. Encuentra refugio en el trabajo, aunque es más bien una huida hacia adelante. Disponible en Itaroa, La Morea y Baiona.

También tenemos dos estrenos relevantes, desafortunadamente los dos directos a streaming: la película de Peaky Blinders, con Cillian Murphy en su legendario papel de Thomas Shelby, y Zeta, una de espías protagonizada por Mario Casas para Amazon Prime.

Peaky Blinders, durante la Segunda Guerra Mundial, muestra a Tommy Shelby regresando a un Birmingham bombardeado y viéndose envuelto en misiones secretas de guerra mientras lidia con su pasado. Escribe el creador original de la serie, Steven Knight; lamentablemente, no dirige. Disponible en Netflix.

Y Zeta, dirigida por Dani de la Torre. Junto con Daniel Calparsoro, ha dirigido algunas de las películas y series de acción y thrillers más memorables de los últimos años: La unidad, Marbella, La unidad: Kabul o El desconocido.

En Zeta, el agente Zeta (Mario Casas) deberá encontrar al único superviviente de un grupo de espías retirados al que parecen estar dando caza. Disponible en Amazon Prime.

Tuvo que coincidir mucha gente en Warner Bros. fan de Paul Thomas Anderson para que saliera adelante. Su protagonista ideal, Leonardo DiCaprio, ya iba a trabajar para él en Boogie Nights, pero una pequeña película se interpuso: Titanic. Han tenido que pasar 3 décadas para que coincidieran, y qué mejor oportunidad.

DiCaprio ha encabezado los proyectos que han dado el Oscar a Mejor Película y Mejor Director a tres leyendas: James Cameron por Titanic, a su querido Scorsese por Infiltrados y ahora a PTA. El film sobre un padre buscando a su hija secuestrada ha obtenido 6 premios de las 13 nominaciones a las que optaba: Película, Casting, Mejor Actor de Reparto, Montaje, Guion Adaptado y Director.

En esta edición se ha visto perfectamente lo importante que es el momento. Como dice una de las ganadoras: “El tiempo no existe y aun así nos controla”. Si esta gala llega a ser dentro de un mes, probablemente Sinners hubiera ganado. Si hubiera sido en febrero, Una batalla… hubiera ganado aún más. La conversación va cambiando en función de aspectos como los promocionales o errores de los nominados.

Desde su estreno, la euforia de la crítica con la película de DiCaprio fue total y absoluta (la mía también, por cierto), casi tanto que pudo compensar el hecho de que la cinta no haya sido rentable en su exhibición en cines. Recaudó 200 M y sus costes de producción y marketing superan los 150 M. También por eso era importante esa victoria frente a Sinners, que sí tuvo un gran apoyo del público.

La gala fue bien, nada particularmente interesante. Su presentador, Conan O’Brien, que repetía, no lo hizo especialmente ameno ni memorable. Me encanta Conan, pero nunca es tan bueno en los Oscars como lo es en su programa de humor.

Probablemente lo más interesante de la gala era la cruzada de Timothée Chalamet para ganar el Oscar por Marty Supreme. La persona que menos sabe de los Oscar es de lo que querrá hablar hoy. Su derrota no se debe a los comentarios sobre ballet y ópera, porque cuando se hicieron ya estaba cerrada la votación. Chalamet ya había perdido los premios anteriores a los Oscar, como los Bafta.

Han optado por un trabajo menor de un actor que cae bien, que lleva trabajando en Hollywood desde que era un niño en series como The Wire o Friday Night Lights. Un actor del que todo el mundo habla bien, con aspiraciones a ser un director consistente —dirigió Creed 3— y que daba la sensación de que, con o sin Oscar, tenía mucho futuro por delante. También es una década mayor que Chalamet y los Oscar no suelen optar por la opción más joven. DiCaprio también lo ganó pasados los 40. Además, su campaña para los Oscar fue mínima, no parecía obsesionado.

No detesto totalmente la decisión porque creo que el peso de un Oscar en el ego puede acabar con un actor. Michael B. Jordan está lo suficientemente establecido y Chalamet, a ratos, parece el lado oscuro de su personaje en Dune. ¡Demasiado poder!

La 1ª, aun siendo muy oscura, es la más auténtica, y la 2ª y la 3ª me parecen muy buenas, pese a haberlas visto hasta la saciedad. La 4ª y, especialmente, la 5ª me parece que se van de madre. No ayuda que haya menos talento en los secundarios ni que Segura parezca acomplejado y tenga que montar secuencias de acción en sus finales. Sus secuencias de acción siempre parecen competentes, pero sin pulso ni emoción.

Vaya si es listo Segura, que durante los años en los que aumentaba la sensibilidad, al menos pasiva, nunca activa, se dedicó a esa saga tan rentable como Padre no hay más que uno. Una amiga me decía: ¿Por qué Segura no hace películas buenas como El Reino de Sorogoyen? ¿Adivina qué? La empresa de Segura produjo El Reino o La infiltrada; sus comedias pagan muchas apuestas del cine español.

Centrándome en Torrente Presidente, me ha sorprendido en el mejor de los sentidos. Por un lado, es muy agradecido no saber nada del film y, por otro, hubiera sido muy fácil hacer una película solo de criticar a Pedro Sánchez, viendo cómo está la conversación pública. Curiosamente, critica más a Vox y al sistema. Y las críticas al PSOE o a Pedro Sánchez no son muchas, pero hay alguna muy aguda.

En esta deja a un lado los finales de acción absurdos por un cameo que puede haber costado más que el presupuesto de la 1ª película. Verdaderamente sorprendente. También deja a un lado los momentos sexuales más burros para centrarse en lo, aún más, anacrónico que es este personaje en el mundo de los micromachismos.

Segura hace bien en contenerse y disparar a todos lados como buena sátira. También hace muy bien en traer cameos de ambos lados, artistas y personalidades de ambas cuerdas. Le da al filme mayor legitimidad como fotografía del momento actual y no una película para los que Torrente es el único personaje del cine español.

Esta es su película más presentista porque hay bromas a noticias ocurridas en los últimos dos años y varios guiños a la legislatura progresista. Esto podría parecer que la hace estacional, pero algo me da a mí que la sensación de que una parte importante del sistema está podrido no se va a ir a ningún lado.